Блог пользователя lebedeva100

Я художница и для меня каждая картина, это частичка меня: история, время, в которое она была написана, можно сказать, целый период моей жизни. Продавать картины всегда было непросто. Хочется, чтобы они попали в руки тех, кто способен их оценить, воспринять, почувствовать. Мои главные участники общения, мои единомышленники в этом процессе коллекционеры. С ними я выстраиваю диалог, в котором важны смыслы, история картины и, конечно, понимание ценности труда. Когда ко мне обращается коллекционер, я прилагаю усилия, чтобы сначала услышать его запрос, и только потом озвучиваю цену. Кто;то ищет картину, которая отразит его стиль жизни, кто;то, отражение собственных переживаний, а кто;то хочет просто цветовое пятно под цвет интерьера, а кто;то собирает коллекцию как инвестицию. Моя задача, понять, что движет человеком, и найти ту работу, которая отзовётся в его внутреннем мире. Здесь я следую правилу - работать с истинной потребностью, а не с поверхностным запросом. Если коллекционер говорит: «Хочу картину в жёлтых тонах», я спрашиваю: «Что для вас значит жёлтый цвет? Какую эмоцию вы хотите проживать, глядя на жёлтую картину?» И уже исходя из его ответов, я подбираю работы так, чтобы он сам принял решение и сделал свой правильный выбор. Если он упоминает, что ищет что;то спокойное, чтобы рассматривать картину после тяжёлого дня, я рассказываю о медитативности своих пейзажей, о том, как я пыталась схватить момент спокойствия, покоя в работе. Для многих коллекционеров ценность картины измеряется не том, сколько они за неё заплатили, а эмоциями и состоянием, которое дарит обладание уникальным произведением искусства. Я стараюсь избегать давления. Если звучит самое триггерное слово «дорого», главное не воспринимать это как отказ. Возможно, человек не понимает и не видит, за что платит, он не почувствовал уникальность идеи, пока далёк от этого искусства или боится ошибиться в выборе и сомневается. А может, он просто смотрит на цену и не видит перспективы - как работа будет расти в цене или рассказывать о нём самом. В такие моменты я действую по плану. Сначала выслушиваю: не перебиваю, не спорю, даю человеку выговориться. Потом задаю вопросы, чтобы выяснить причину: «Что именно в цене вы считаете неоправданным?», «Что для вас в первую очередь определяет справедливую цену на картину?», «Если убрать вопрос цены, что в этой работе вам нравится больше всего?» Затем присоединяюсь к его эмоциям: «Я понимаю ваши сомнения. Когда речь идёт о серьёзных вложениях, хочется быть уверенным на все сто процентов». И только после этого аргументирую, но не общими фразами, а конкретно для этого человека. Если для него важна инвестиционная составляющая, я расскажу о своих выставках, о росте интереса к моему творчеству, о том, как дорожают работы художников моего поколения. Если для него важнее личная связь с искусством, я поделюсь историей создания картины, расскажу, что меня вдохновило, какие чувства я вкладывала в каждый мазок.
Ещё один важный момент, показать привилегии, которые получает коллекционер, покупая работу у меня напрямую. Это возможность поговорить с художником, узнать историю из первых уст, получить рекомендации по уходу, быть в курсе новых работ. Для коллекционера это может стать решающим фактором: он понимает, что покупает не просто картину, а часть творческого пути. Шаг за шагом, через доверие и искренний диалог, созревает его решение приобрести картину, именно у меня. И когда работа уезжает к новому владельцу, я не грущу, а радуюсь: она нашла своего человека, того, кто в теме, кто знает все нюансы и понимает ценность искусства. Ведь главное, чтобы искусство продолжало жить, откликаясь в чьём;то сердце, когда человек хочет видеть эту работу у себя дома.

Недавно обсуждали очень интересную тему на лекции в «ГЭС;2». Я бы сформулировала её так - в современном искусстве жанр натюрморта раскрывается художниками, как реакция на перенасыщение и избыточное потребление. Художники исследуют, как вещи могут характеризовать человека, а в каких-то случаях, даже обожествляться.
В современном мире мы постоянно что;то покупаем, одежду, технику, украшения. На этом фоне натюрморт в искусстве становится способом задуматься, остановиться, посмотреть на груду объектов потребления со стороны. Художники собирают композицию из вещей, и зритель невольно задумывается: что эти предметы говорят о владельце? Вещи в современном натюрморте, всё чаще становятся следами присутствия человека, такой натюрморт про то, что остаётся после нас.
Как натюрморт начинает характеризовать человека? Ещё в традиционных голландских натюрмортах XVII века предметы рассказывали о хозяине, о его статусе, вкусах и образе жизни. Сейчас это доводится до иронии, чтобы высмеять потребление, как способ собрать себя из внешних маркеров. Или вещь наделяется сверх значением, она становится символом статуса, успеха, «правильного» образа жизни. Чаще всего такие натюрморты помогают задуматься о загруженности среды.
Вещи в современном натюрморте, это следы, которые мы оставляем, как отпечатки на песке. Они рассказывают о нас, о наших привычках, желаниях. И в этом есть что-то очень близкое к разговору о памяти, ведь именно предметы могут вызывать чувства ностальгии и хранить истории их владельцев.

Вчера я посмотрела фильм «Одиссея», Кристофера Нолана и эта история мне очень понравилась. Она и про далёкие берега, и про внутреннюю дорогу.
Особенно откликнулся образ Афины, как проводника. Для Одиссея она зеркало его лучших качеств и тот самый внутренний голос, который помогает не сломаться в пути. Присутствие Афины ощущается там, где Одиссей действует не грубой силой, а умом. Мне понравилось, что режиссёр не превращает Одиссея в супергероя, его сила в умении выживать и не терять себя в дороге.
Пока смотрела фильм, вспомнила, как была в Италии в храме Минервы, в Ассизи. Его, предположительно построили в I веке до нашей эры. Там огромные колонны, и потом я узнала, что портик и колонны сохранились оригинальные, их не пристраивали. Так хорошо, что этот храм дошёл до нас, почти нетронутым! И это, по-настоящему редкий случай. Я стояла там и чувствовала масштаб этого места.
Минерва римское имя Афины, богиня мудрости, стратегии и искусства. В фильме она возвращает героя домой, но не к старому дому, а к новому дому, который внутри, который очень сильно изменился во время путешествий. Для меня вернуться - это значит собрать свой дом из собственных образов и смыслов и сделать их опорой. И в этом я вижу что;то очень близкое своему пути художника, ведь и я прокладываю свою дорогу, стараюсь слышать свой голос и стремлюсь найти дорогу к себе

Помню, когда была ребёнком, у меня была сильная потребность в одобрении. И мне было обидно, когда окружающие не обращали внимания, а я всё ждала подобные слова: «Начинай», «Ты на верном пути», «Молодец». Теперь я всё яснее понимаю, похвала или одобрение может и не прийти, и это нормально. И я учусь опираться, именно на себя в своём выборе темы или в том, как мне работать, с чего начинать. Это очень важная способность, не растворяться в чужом мнении: «Это хорошо, а это не очень», или «Это плохо», а иметь опору в себе, не терять с ней связь, отделить своё творчество от чужих мнений или влияний.
Часто я остаюсь в мастерской абсолютно одна, и в этой тишине, наедине с собой, размышляю, как непросто сделать следующий шаг. Сижу на стуле, смотря на холст, думаю, какой будет цвет, с чего мне начать. Именно в эти минуты я стараюсь прислушиваться к себе.
А недавно на лекции услышала мысль, которая будто проговорила то, что я уже чувствовала: наша жизненная сила, витальность, проявленность, смех, когда мы громко говорим, то мы будто начинаем сами сдерживать эту свою жизненную силу, чтобы быть кому;то удобной, понравиться. Но огонь внутри тушить нельзя, его можно только разжигать и смотреть страху в лицо, который мешает нам проявляться.
Изначальное чувство внутреннего знания начинает тускнеть, когда мы сами его приглушаем. Именно свой внутренний голос нужно беречь, ему доверять, стараться быть открытой новому и при этом не терять связь с собой. В этой проявленности, яркости, громкости, ярких цветах, силе выражения и есть моя сущность как художницы. И пусть это не всегда удобно окружающим, это мой выбор, я готова за него отвечать.

Вспоминаю год, когда мне исполнилось семь лет. Он казался невероятно длинным почти как целая эпоха. В тот год на новогоднем утреннике в детском саду я получила роль Лисы и участвовала в спектакле. Большинство ребят играли Зайчиков или Снежинок, а мне досталась именно Лиса.
Сначала эту роль хотели отдать другой девочке, но она испугалась и роль перешла ко мне. Я очень старалась: репетировала, чтобы передать яркую, изворотливую и любопытную натуру. У меня был чудесный костюм: рыжее платье, пушистый хвост и головной убор с ушами. Моя роль была со словами и я громко сказала: «Ой, как холодно! Какой мороз! Можно к вам на праздник? Пока бегала по лесу, даже замёрзла!»
С тех пор Лисичка осталась со мной, она стала частью моей персональной мифологии. Со временем образ Лисы превратился в моё альтер-эго, в спутника, который напоминает и поддерживает в нужные моменты. Сейчас у меня целая коллекция фарфоровых лисичек, я рисую лис маслом, ловя в мазках их грацию и элегантность, а недавно начала генерировать лисичек с помощью искусственного интеллекта, чтобы по-новому прочувствовать эту связь.
Для меня Лиса является образом из детства, проводником, архетипом, который помогает держать определённую энергию. В шаманских традициях животное;проводник это символ, который человек выбирает, чтобы помнить о важных для него силах. Для меня Лиса про умение видеть скрытые ходы, про изящество и гармонию между хитростью и красотой. Она развивает во мне способность мягко убеждать, выражать креативные идеи, замечать то, что остаётся вне поля зрения других. В творчестве этот образ становится опорой, он возвращает меня к нужным состояниям и помогает оставаться в своём ритме.
Так Лиса стала моим символом и постоянным источником силы и вдохновения, спутником на пути к самопониманию и творческой реализации.

С помощью искусственного интеллекта я работаю с памятью, как с хрупким, но восстанавливаемым пространством. Я “воскрешаю” собственные воспоминания, чтобы вернуть и ощутить их снова.
Когда мне было семь лет, я помню себя в белом ободке, с длинной косой по пояс, помню, как собирала малину в саду, возле дома, помню голубой деревянный дом с белыми ставнями, который построил мой дедушка. Сейчас этого дома уже нет, он остался только в моей памяти. И, именно, благодаря технологиям я снова могу его “увидеть” не как фотографию, а как образ, собранный из оттенков, деталей и ощущений. Через эту работу я исследую парадокс: технология, часто ассоциируемая с будущим, становится инструментом возвращения в прошлое. Проект ставит вопрос о том, как цифровая генерация может работать с утратой, и личной историей

Живое дыхание мира
Я хочу смотреть на мир не как на то, к чему я уже привыкла и ходить только по тем местам, по которым я уже ходила много раз, не как карту пройденных маршрутов, не как что-то предсказуемое и безопасное. Я стараюсь находить новые места в самом способе смотреть и замечать вещи, которые меня вдохновляют. Я смотрю на мир, как на живой организм со своей непредсказуемостью, со своим дыханием, со своей внутренней жизнью, которая живёт по своим правилам, она просто есть, и я учусь вглядываться и замечать, не отразить - преобразить, я не хочу просто написать то, что вижу. Отражение это пассивность. Я хочу преобразить и мир, и себя. При помощи своего творчества, своего собственного языка, который я ищу и не устаю искать, потому что это даёт возможность вырасти как художнице и создать свой язык символов.
Искусство может стать трансформацией. Изменением в жизни человека. Сначала в жизни того, кто пишет. Потом в жизни того, кто смотрит.
Мир как живое существо.
Я смотрю на мир как на живое существо. Как на существо, которое дышит, которое болеет, которое ждёт, которое отзывается. Когда я пишу, я не беру от мира, я рассматриваю его и учусь у него непредсказуемости, принятию, ритму, красоте.
Способность художника исследовать себя через своё искусство - это необходимость. Кто не исследует себя не видит ничего, кроме одного и того же.
Ритуал и жрец.
Художник - участник ритуала. Он как жрец, который меняет что-то в себе через магическое действие. Акт письма - это и есть магическое действие. Буквальное ощущение, что ты касаешься холста и что-то сдвигается не только на холсте, но и в тебе, и в мире, который тебя окружает. Жрец совершает таинство. Художник не просто рисует красивые картины на холсте, он совершает на нём превращение.
Против рациональности.
Я против рациональности, как единого верного языка смысла. Не против разума против его монополии. Есть вещи, которые недоступны через логику, через объяснение, через доказательство. Они доступны только через образ и через переживание. Через то, что нельзя пересказать, но можно передать цветом, жестом, ритмом, краской.
Когда техника перестаёт быть догмой, в ней просыпается жизнь. Техника ради техники - это мёртвое тело. Техника, подчинённая живому дыханию.
Превращение.
Художник превращает: и связывает свою жизнь со своими работами. Он видит смысл не в результате, а в самом акте в моменте, когда кисть касается холста. В моменте, когда рождается форма, которая раньше не существовала в мире, а теперь существует и ты уже не тот, кто был до неё.
Я пишу и меняюсь. Потому что невозможно прикоснуться к живому миру и остаться прежней.

Моя история начинается с безудержного веселья и приподнятого настроения. Я как звезда пролетала по чёрному небу к двум звёздам, женщине и мужчине. Они мне говорят: сейчас не время, зачем тебе это? Но раз ты здесь, давай покажем твоих родителей. И показывают экран: на нём фотографии двух моих родителей. Эти звёзды рассказывают мне, что со мной будут происходить, сценарий моей жизни. О чём они говорили сейчас сложно вспомнить.
Дальше вспоминаю себя ещё до рождения. Я в животе, и когда на него падал свет, я видела красные линии. Мне там очень нравилось, было комфортно находиться, и я думала о своих маленьких ручках, смотря на них.
Следующее воспоминание, рождение. Я помню часы на стене: девять вечера. В роддоме меня берёт на руки женщина в халате. Ряды детей, завернутых в пелёнки, они спят, и кто-то держит меня. Это произвело на меня сильное впечатление.
Дома над кроваткой, лицо отца, которое смотрит на меня. Мне очень нравились пелёнки: они были из приятной ткани, рядом лежали цветные игрушки ярких цветов.
Дальше, коляска. Я лежу в коляске: на мне белое одеялко, передо мной висят яркие пластмассовые колечки, они позвякивают. Коляска была насыщенного синего цвета и с большими колёсами. Меня везла бабушка по бульвару и покачивала коляску. А я разглядываю ветки деревьев и это очень меня увлекает.
Помню, как хотела встать на кроватке и держалась за деревянную перекладину. У меня были бутылочки с молоком: синяя и красная, может, ещё жёлтая. Дедушка и бабушка учили меня ходить. Они очень радовались, когда у меня получалось сделать шаг. Я делала шаг к деду, потом к бабушке, она протягивала мне руки. Я училась очень быстро ползать по деревянному полу: представляла, что ползу ещё быстрее. Любила прятаться под столом или под стулом, представляя домик.
Переход к воспоминанию о Солнечногорске и деревянном доме. Я ждала голос, который бы заговорил, пока бабушка не приходила. Я звала её и расстраивалась, что она не отвечает. Потому что боялась.
Следующий эпизод - я заговорила. Стою в дверном проёме и думаю: заговорить? Из-за моей спины слышу её голос: «Я всегда была здесь», и как только ты начнёшь говорить, ты забудешь и не сможешь меня слышать. Давай напоследок вспомним все те языки, которые ты знаешь. Я вспоминала фразы, каждый язык, уделяя несколько секунд разным языкам, и радовалась, что помнила их: их становилось всё больше, они становились древнее и сложнее. В конце я вспомнила давно забытый язык, и она удивилась: «Ты даже его помнишь?» Потом мы попрощались; я решила, что не забуду, и что память об этой встрече будет со мной. Дальше бабушка лежала на диване, а я ползу по её ногам и прошу: «Погладь мне, пожалуйста ножку, только не кусай». Она любила так играть и пугала меня тем, что может укусить ножку или ручку. Я заговорила целыми фразами и чувствовала, что речь становится моей собственной силой.

Искусство нередко сталкивается с непониманием, а порой и с откровенным обесцениванием. Его пытаются измерить рыночными метриками, вписать в тренды или сводят ценность искусства к декоративной привлекательности. Но истинная сила искусства кроется не в одобрении зрителей и не в погоне за признанием публики. Она рождается из внутренней необходимости, из той самой потребности художника дать форму тому, что живёт внутри и настойчиво требует воплощения. И эта потребность не исчезает ни от равнодушия публики, ни от комментариев критиков, ни даже от банального отсутствия условий - нет красок, нет холста, нет мастерской.
Я знаю это не понаслышке. Бывали дни, когда единственным доступным инструментом оказывался простой карандаш и страница альбома, а желание творить было настолько сильным, что любые ограничения казались лишь временными помехами. Иногда образ приходит во время прогулки по парку. И вдруг перед внутренним взором вспыхивает готовая композиция, почти осязаемая, будто она уже существует где то отдельно и только ждёт, когда её заметят и перенесут на холст. Этот импульс не спрашивает разрешения и не ждёт идеальных обстоятельств. Он просто есть, как потребность двигаться вперёд.
Эту внутреннюю силу принято называть художественной волей. Это не амбиция и не стремление доказать миру свою значимость. Это глубинная верность собственному видению: способность продолжать искать, пробовать, ошибаться и снова пробовать, даже когда никто не смотрит и никто не ждёт результата. Художник творит не потому, что это выгодно или модно, а потому, что иначе невозможно. В этом смысле творчество становится формой честности перед самим собой.
Сегодня, когда нейросети способны генерировать изображение за считаные секунды, особенно важно различать два принципиально разных процесса - генерацию и создание. Алгоритм работает с данными, статистикой. Он может быть поразительно точным, может имитировать стили великих мастеров, но ему недоступна та самая внутренняя необходимость, которая не отпускает, пока образ не обретёт материальную форму. У художника есть нечто большее, чем техника у него есть личный опыт, боль, радость, наблюдения, которые складываются в уникальный взгляд на мир.
Замечательный образ возникает в мыслях - дерево, пробивающееся сквозь асфальт. Асфальт можно положить заново, дерево можно спилить, но сама сила роста никуда не денется. Так и художественная воля не зависит от внешних условий, она их преодолевает. Самовыражение не уничтожимо, потому что оно, часть личности, способ быть в мире.
Культура не умирает именно потому, что в каждом поколении находятся люди, для которых творить - это необходимость. Они продолжают создавать не ради аплодисментов, а ради того, чтобы сохранить и передать свой взгляд. Даже если путь художника меняется, даже если он решает отойти от привычной карьеры, сама потребность творить никуда не исчезает. Она может менять форму, искать новые средства выражения, но не угасает.
В этом и заключается подлинная стойкость искусства: оно живёт не в галереях и не на аукционах, а в тех людях, которые не могут не создавать. Их воля сильнее любых обстоятельств, потому что она питается не внешними стимулами, а внутренним огнём. И пока этот огонь горит, искусство будет жить, несмотря ни на что.

Екатерина Лебедева художник

Давайте разберемся, что же такое интеллектуальное искусство. В интеллектуальном искусстве идея становится главной, от идеи начинается исследование темы. Я, как художник ставлю эксперимент над формой, над восприятием, над собой - это мой способ высказаться, говорить о сложном. Когда неясно, куда двигаться дальше, идея в этот момент становится двигателем, каркасом. Сейчас я исследую тему бессознательного - это даёт мне определённое направление, и интеллектуальное искусство помогает работать с личным, погружаться в эти темы и раскрывать их. Можно брать сны, воспоминания, ощущения, и в этот момент личное исследование, когда его делаешь публичным, становится общим, и зритель узнаёт в подобном искусстве себя. Художник, таким образом, выстраивает через идею свой авторский голос. В повторяющихся приёмах, когда художник раскрывает тему, то появляется стиль, искусство становится узнаваемым. Интеллектуальное искусство требует от зрителя усилия, понимания и желания погружаться, вглядываться, думать, задавать себе вопрос: «А что это значит для меня?». И искусство начинает работать, как зеркало: чем больше в нём недосказанности, тем больше зрителей начинает проецировать на него свой опыт. И задача художника не просто написать красивый пейзаж или натюрморт, а задать себе вопрос: «Что эта идея значит для меня?» Тогда каждая работа становится частью исследования. Обычно у меня по плану идёт три работы в месяц, они являются моими шагами к этому исследованию. За такими картинами часто стоит серьёзная интеллектуальная работа, погружение в тему. Мне интересно как рождается живопись и как зритель будет её читать. Я в 2019 году начала серию работ "Без лица", с недосказанностью. Я делаю это для того, чтобы сломать у зрителя автоматизм восприятия: когда мы видим глаза, губы, мозг мгновенно считывает лицо. Такие картины заставляют зрителя создавать свои проекции. Зритель начинает фиксироваться и искать то, что ему узнаваемо и понятно. Наш мозг так устроен, он пытается узнать в картине: понятное: цвет, фактуру, цветок, дерево, животное, человека. Моя цель состоит в том, чтобы живопись стала языком, где цвет и краска говорят сами за себя. Мои художественные исследования, с помощью саморефлексии, приводят к изучению граней себя, своей личности. Я беру сюжеты из своих снов или старые идеи и соединяю их с новыми. Или, например, я соединяю экспрессионизм, сюрреализм и фовизм. Я сознательно стираю границу между фигурой и абстракцией в моих работах. Часто лицо, фигура переходят в фон, друг в друга. Мне интересна сама природа восприятия таких картин зрителем: зритель может сам выстраивать свои связи. Также в моих работах есть символизм: это образ животного или гибридного существа, где животное становится метафорой, мостиком между человеком и природой, носителем мистики и природных качеств. В моих работах есть мифология и параллельные реальности: я стараюсь исследовать гипотетические миры, в которых могут быть цвета ярче, небо зелёное, а формы искажены. Я создаю гибридных существ, соединяющих в себе разные организмы. Такие образы побуждают задуматься о природе эволюции, о соединении разных смыслов и границах восприятия. Сам по себе процесс исследования, процесс зарождения идеи, уже является интеллектуальным вызовом. У меня есть тема внутреннего мира и поиск идентичности: многие работы - это исследование моих личных переживаний, страхов, мечтаний, мой путь самопознания.

В мире существует бесконечное множество техник живописи, каждая из которых по-своему уникальна и отражает особый подход художника. Среди них особое место занимает метод, когда мастер не исправляет свои мазки, а пишет спонтанно, доверяя своей интуиции. Он позволяет себе погрузиться в поток созидания, беря образы прямо из подсознания, и именно в этом откровении рождается подлинная свежесть и энергия полотна. Такой способ требует смелости и уверенности, а эти качества дают силе картины жить и дышать. Великие художники, как импрессионисты, стремились запечатлеть каждое мгновение: свет, цвет, настроение - всё, что делает картину яркой и неповторимой. Техника, при которой художник ловит момент, чтобы передать эмоции через динамичные мазки и смешивание цветов прямо на холсте, требует уверенности в каждой движущейся линии. Важна каждая импульсивная деталь, каждый штрих, который способен стать законченным произведением искусства. Даже одним мазком можно создать лицо, цветок или фигуру, а густая краска помогает придать рельеф и глубину. Важной чертой этого метода является отказ от подмалёвка: картина рождается буквально в процессе работы, в момент выбора цвета, ведь цвет - это выражение эмоций. Всё пронизано спонтанностью и импровизацией - это радость от работы здесь и сейчас, наслаждение каждым мгновением. Художник доверяет своим первичным впечатлениям, и в этом процессе каждое произведение становится неповторимым, живым, потому что его невозможно точно повторить. Такой стиль требует постоянной тренировки, чёткого чувства цвета и уверенности, ведь именно они помогают ценить миг, его уникальность и красоту. Каждая линия - это личное высказывание, зафиксированный момент времени, который остаётся живым на полотне, пропитанный искренностью и страстью. В этой живописи не скрываются первоначальные мазки, они выходят на передний план, оставаясь выразительным свидетельством «здесь и сейчас». Художник должен уметь доверять себе и своей руке, своему чутью и зрению, своему вкусу. Это практика доверия себе и развитию интуиции, позволяющая раскрывать собственный стиль. В эпоху цифровых технологий и фотографий такая живопись становится настоящим символом человечности - искренней, несовершенной, прекрасной в своей натуральной неповторимости. В конце концов, красота в несовершенстве, а спонтанность - ключ к подлинной жизни, которую художник оживляет на холсте каждое мгновение

Летом так прекрасно, тепло, хочется веселиться, отдыхать, отрываться.. В такой день запросто можно успеть на два;три вернисажа: обычно они проходят в четверг. И на этих вернисажах, конечно, помимо искусства, есть алкоголь. Вспоминаю такой интересный день. На одно открытие выставки я попала вовремя, как раз к семи вечера. А на второе опоздала на два часа. И вот там народ уже был очень пьян и при этом невероятно счастлив. Если прийти попозже, часа на два, увидишь эту особую картину: люди встречаются, восклицают, обнимаются, у многих такие дружелюбные лица… И невольно думаешь: «Они тут уже два часа и белое, и красное пьют, да и чего покрепче…» А потом можно где;нибудь на лавочке продолжить, распивать под живую музыку. Вот, скажем, на бульваре Гоголя играет виолончелист… И можно просто быть до безумия пьяным и гулять всю ночь. В книге «Женщины Девятой улицы» Мэри Габриэль описывала такие вернисажи: художники ходили с выставки на выставку, напивались, а потом шли купаться на пляж. Нужен ли вообще алкоголь на открытии выставки, или пусть люди приходят смотреть только на искусство? Но дело в том, что, если не будет алкоголя, многие сразу уйдут, а на выставке, где есть алкоголь людей значительно больше и они не уходят, пока все не закроется. Если уж хочется выпить, то лучше это делать после вернисажа, особенно художнику. Но хочется отметить, что художник был единственный трезвый человек на своей выставке и рассказывал, как он не хотел какие;то картины выставлять, но куратор ему сказал: «Они тоже хорошо подойдут», и он их выставил. В итоге, алкоголь на вернисажах это, возможно, и не обязательное условие, но он создаёт особую атмосферу праздника. Главное, искусство должно оставаться в центре внимания, а веселье - лишь приятным дополнением. В конце концов, воспоминания об этих летних вернисасаж останутся с нами надолго, независимо от того, был ли в них алкоголь или нет.

Прогуливаясь в Измайловском парке, где около пруда есть старые ивы, раскинувшие ветви, я любуюсь этими деревьями и вспоминаю тот самый аромат, то лето в котором звучал наш смех и, как буд-то, он до сих пор слышится между ветками деревьев. Там мне пятнадцать лет, у меня длинные чёрные волосы. В то время я красила их в чёрный цвет. Мы собирались на нашем дереве. Никто не знал, почему, именно, на нём, просто так сложилось. Оно стояло чуть в стороне от дороги, за гаражами, будто специально прятало нас от прохожих, которые проходили мимо. Ветви этого дерева были раскинуты в обе стороны, как руки, готовые обнять и укрыть от всего мира. Мы сидели, цепляясь за кору на этих ветвях, свесив ноги, болтали ими в воздухе. Нас было шестеро: я, две мои подруги и три парня постарше, из другого класса. Знакомство с ними произошло на школьной лестнице, в перерывах между уроками. Говорили мы обо всём и сразу - о музыке, о фильмах, спорили о том, что уже не модно или модно, о кроссовках, о джинсах, о новых моделях телефонов, будто вещи могут рассказать о человеке больше чем слова. И, конечно, об отношениях: про взгляды, про случайные касания руки, про то, кто на кого посмотрел на перемене, кто с кем подрался. Это дерево хранило нашу юность, время, когда можно радоваться жизни и, беззаботно, безудержно веселиться. Первое свидание было в то время. Оно было связано с встречами на дереве и поездкой в Царицыно и Коломенское, в кинотеатре Орбита. По дороге в парк Царицыно находился музыкальный рынок он тогда был там, когда выходишь из метро около парка. Мы ехали в метро, обнявшись, и казалось, что все смотрят только на нас. Особенно врезались в память две девушки, которые буквально сверлили нас взглядом, будто пытались разгадать что за магия случилась между нами. Мы говорили о пустяках очень громко, просто чтобы о чём‑то говорить и смеялись, безудержно до слёз, до колик в животе. Сейчас, когда я уже взрослая, понимаю, что те дни были связаны с этим местом, с деревьями. Это было место, где нас отпускали тревоги: мы были счастливы. Мы учились быть собой, говорить, ошибаться и снова пробовать. Недавно я приезжала на то место проверить дерево. Его там уже не оказалось… Не оказалось и тех гаражей, за которыми оно было. Теперь там поляна с зелёной травой, абсолютно ровная спокойная. Не осталось и следа ни намёка на прошлое. Но, рядом стояла лавочка, где сидели уже другие подростки. Я улыбаюсь, потому что то дерево ещё живёт в моих воспоминаниях о молодости, музыке и первой любви, дружбе которая связывала нас крепче любых слов.
Екатерина Лебедева художник

Я недавно думала о том, как расширить круг полезных знакомств и пришла к одному выводу. Вместо того, чтобы гоняться за нужными знакомствами, лучше вкладывать силы в своё дело, в то что любишь. Совершенствоваться в том, что по-настоящему наполняет энергией. Когда художник увлечен своим делом, это всегда чувствуется. Достаточно просто показывать то, что у тебя лучше всего получается и говорить о том, что волнует и значимо сейчас. Именно так рядом появляются люди, которым нравится твоя работа
Сила увлечённости Екатерина Лебедева художник

Вчера стояла перед холстом, и всё было написано по порядку, ровно. Эта идеальная ровность начинает, будто давить. И мне захотелось эту выверенность превратить в хаос и его сделать главной идеей полотна. Когда работаешь в такой технике, видишь, что через беспорядочно нанесённые мазки начинает, постепенно что;то проступать в картине. В процессе работы я наблюдаю как из этих мазков получается новый порядок. Обычно, именно в такой работе рождаются самые живые картины. Когда краска ложится свободно, а художник её аккуратно направляет, в этом есть какая;то дерзость и свобода. Энергия начинает идти сумасшедшая. Где;то на втором этапе нанесения мазков я начинаю внимательно рассматривать и следить за тем, где хочет появиться образ и где трогать работу уже не нужно. Для меня это больше про исследование материала, про то, как можно выйти за рамки обведённой точной формы. Но действительно, и хаос может иметь место. Когда ничего не понятно в этом, тоже есть своя красота, в этой недосказанности когда начинают обретать форму новые интерпретации. В ходе работы над полотном открываются такие приёмы, о которых даже и не предполагала. Именно, на этой грани между порядком и беспорядком появляются самые смелые и интересные идеи. И знаете, в этом есть что;то человеческое, мы ведь всё время балансируем между желанием всё упорядочить и потребностью в свободе. Вот и мне на холсте хочется поймать этот момент, когда из беспорядка, хаоса рождается гармония.

Екатерина Лебедева художник

Сегодня, листая старые наброски, я будто заново встретилась с тем, что у меня лучше всего получалось. Листов так много - целая стопка, и все рисунки такие разные! Перебирая эти листы, я нашла ещё несколько, из которых могут получиться картины. Рассматривая стопку, долистала до середины и среди листов обнаружила свой план на год - по три работы в месяц. Когда я писала этот план, это вызывало во мне воодушевление создавать работы ритмично и вряд ли уже получится увильнуть от плана.
Особенно меня зацепил один рисунок, написанный довольно-таки стремительно - это зарисовка птицы. Сочетание цветов, красного и синего, тогда было одним из моих любимых сочетаний. Зря я давно не просматривала эти рисунки, у них, определённо есть право на существование. Нужно собрать из этих, уже существующих, набросков единое целое, чтобы наконец-то родились новые картины.
А у вас было такое, когда находишь старый набросок и снова хочется творить?

Лет шесть назад я ходила в кино на фильм «Боль и слава» Педро Альмодовара. Это история о режиссёре, переживающем кризис. В фильме есть момент, который меня тогда сильно зацепил, и в последнее время он всё чаще вспоминается.
У героя-режиссёра, он ведь во многом и художник, была своя коллекция картин и предметов искусства. Он почти не выходил из дома, перестал работать и остался в полном одиночестве, всё больше погружаясь в воспоминания. Картины, висевшие у него на стенах, стали частью его фантазии, продолжением его самого.
Когда ему предложили выставить одну из работ из его коллекции, он отказался. К тому моменту он настолько слился с образами на полотнах, что не хотел расставаться с ними даже на месяц. Смотря на картины он как будто погружался в глубину своего подсознания. Когда я хожу на выставки вспоминаю этот фильм. Я хочу найти такую картину, которая могла бы так же на меня воздействовать, пробуждать фантазии, воспоминания, отзываться какими-то чувствами из детства или другими эмоциями из моего личного опыта и при этом без необходимости делиться этими переживаниеми с кем;то ещё. Чтобы каждое утро, просыпаясь, я могла смотреть на неё и улавливать малейшие перемены в своём настроении. Достраивать её в уме, вглядываться, открывать новые детали, словно вести с ней диалог, в сотворчестве вместе с художником. И иногда, на выставках, я действительно нахожу такие работы, они будто вступают со мной в этот особый разговор.
Екатерина Лебедева художник

Когда я начинаю задумываться о том, кто я такая, что меня формирует и в чём заключается моё настоящее «я», искусство становится моим источником ответов. Может быть, именно через творчество я могу заглянуть в свои страхи и мечты, в глубину своей души. Я пропускаю через себя искусство, через него, получается, я лучше узнаю себя, исследую свою личность и раскрываю себя.
Недавно я посмотрела на фотографию, сделанную год назад, и через год увидела, насколько я изменилась. Удивительно, лет пять назад мне казалось, что я никак не могу измениться, было чувство, будто я остаюсь всё такой же.
Вспоминая детство, я понимаю, что именно тогда у меня проснулся интерес к искусству. Мне было восемь лет, когда моя мама водила меня в Музей современного искусства на Петровке. Там я впервые увидела работы художника Михаила Шемякина - его графику, и он произвёл на меня сильное впечатление: он изображает огромную голову с крошечным туловищем, искажая пропорции. Думаю, я уже тогда хотела повторить его приёмы. Через несколько лет я создала свою первую серию работ, вдохновлённую именно этими человечками. И одну из них у меня даже купили: это был улыбающийся клоун, прыгающий на шпагат в воздухе. Именно тогда я почувствовала, что искусство - это один из способов сказать: «Я есть. Я существую». Это были мои первые шаги в поиске собственной идентичности и стиля. Мои исследования заключались в том, чтобы уйти от привычной формы, исказить пропорции и сделать линии более экспрессивными.
Следующим шагом для меня было изучение своих корней: поездки в те места, где жили мои предки - во Владимирскую, Калужскую, Смоленскую области. Мои работы сейчас включают элементы Владимирских львов, различных изразцов.
В следующих шагах я хотела избавиться от чужих влияний и экспериментировала с разными темами, цветами, материалами, брала разные инструменты от мастихина до шпателя. Эти эксперименты продолжаются и сейчас.
Моя формула поиска идентичности заключается в умении видеть ценность в личном опыте, готовности экспериментировать. Моё искусство - один из самых честных ответов на вопрос: «Кто я?»
Я считаю, что поиск идентичности - это поиск внутренней опоры, которая помогает преодолеть сомнения, трудности и неуверенность.

Картина «Движение неукротимой энергии» - это настоящий катализатор атмосферы и под нее можно планировать интерьер.
Где она заиграет
Такая экспрессивная работа, особенно хорошо раскрывается в пространствах, где нужна динамика, вдохновение или акцент на современном искусстве. Я бы выделила несколько вариантов:
Гостиная. Здесь картина станет мощным визуальным центром. Она задаст тон общению, добавит энергии и сделает интерьер выразительнее.
Кабинет или домашний офис. Динамичные мазки и контрастные цвета (оранжевый, фиолетовый, бирюзовый) могут стимулировать мышление, поддерживать продуктивность и не давать пространству стать слишком статичным.
Просторная прихожая или холл. Крупноформатная абстракция создаст сильный «вау-эффект» при входе, визуально заполнит зону и задаст настроение всему дому.
Коворкинг или зона для творчества. Работа будет перекликаться с атмосферой поиска идей и нестандартных решений.
Как добиться гармонии
Чтобы картина не выглядела чужеродно, советую учесть несколько моментов:
Цветовая поддержка. В работе доминируют насыщенные, контрастные оттенки. Чтобы интерьер не «развалился», можно взять один-два цвета из картины и повторить их в деталях: текстиле (шторы, подушки, плед), аксессуарах или акцентах в мебели. При этом сам фон (стены, основная мебель) может быть нейтральным (белый, серый, бежевый) - это отличный способ позволить абстракции зазвучать.
Масштаб. Размер 100;120 см довольно крупный. Поэтому важно, чтобы в комнате было достаточно места: полотно не должно «задыхаться» среди множества мелких деталей или в тесном пространстве.
Роль в композиции. Есть два пути. Либо картина становится главной фокусной точкой, а остальной интерьер подчиняется ей (мебель, свет, декор работают как поддержка). Либо вы собираете вокруг неё небольшую галерею из других работ или арт-объектов, создавая диалог.
Стиль интерьера. Такая экспрессивная абстракция органично впишется в современные направления: минимализм, лофт, хай-тек. В более классических или перегруженных декором стилях её тоже можно использовать, но тогда важно максимально упростить остальной декор, чтобы не создать визуального шума.
Итог
Ключевая сила этой работы в интерьере в её способности добавлять движение и эмоциональный заряд. Главное не бояться сделать её центром внимания, но при этом следить, чтобы остальные элементы не перебивали её, а помогали раскрыться.

Воображение в творчестве художницы Екатерины Лебедевой ключевой элемент, формирующий уникальный стиль её работ. Разберём, как оно проявляется в разных аспектах её искусства:

1. Параллельные реальности.
Лебедева размышляет о гипотетических мирах, которые существуют одновременно с нашим, но отличаются от него. В её воображении рождаются пространства, где:
цвета ярче,
небо может быть зелёным,
деревья - розовыми,
формы - необычными и искажёнными.
Эти образы позволяют зрителю увидеть границы собственного восприятия и задуматься о множественности миров.

2. Симбиозы и гибриды.
Воображение художницы создаёт удивительные существа, объединяющие черты разных организмов. Примеры таких фантазийных образов:
лошадь с крыльями и клювом попугая,
человек с кошачьими глазами, способный видеть в темноте.
Гибриды - это не просто плод фантазии, а символ внутренней силы и идеи эволюции через синтез.

3. Абстрактные пейзажи, как пространство подсознания.
Пейзажи Лебедевой рождаются без предварительных набросков - это спонтанные визуальные медитации. В них
лес становится метафорой внутреннего мира человека,
мазок, штрих и цвет служат ключами к пониманию скрытых чувств,
реальность соединяется с миром подсознания.

4. Абстрактная фигура человека.
Образы людей на полотнах Лебедевой, одновременно узнаваемы и неузнаваемы. Воображение позволяет художнице:
фиксировать озарения и образы из «океана подсознания»,
материализовать на холсте личный и коллективный опыт, архетипическую память,
создавать работы‑зеркала, пробуждающие у зрителя личные ассоциации.

5. Абстрактные цветы.
Начав творческий путь с цветочных композиций («Розовая фиалка», «Азалия», «Иван‑чай»), Лебедева превращает цветы в источник эмоционального и духовного опыта. Её воображение
освобождает форму от строгих правил,
экспериментирует с цветом и движением мазков,
передаёт не внешний вид, а «внутренний мир» цветка - его энергию и магию.

6. Животные, как метафора.
Даже изображая реальных животных (кошек, собак, птиц, волков, львов), Лебедева наполняет их символическим смыслом. Её воображение превращает их в: мост между человеком и природой, носителей мистики и глубокого значения (по аналогии с древними культурами), отражение внутренних качеств и состояний.

Ключевые черты воображения в работах Лебедевой:
- Спонтанность. Многие работы создаются без эскизов, как поток образов из подсознания.
- Синтез реального и фантастического. Реальность переплетается с параллельными мирами, а привычные формы искажаются.
- Символизм. Каждый элемент (цвет, мазок, форма) несёт скрытый смысл, связанный с внутренним миром человека.
- Эксперимент. Художница свободно играет с фактурой, цветом и композицией, не ограничивая себя правилами.
- Диалог со зрителем. Работы провоцируют личные ассоциации и размышления о том, что скрыто за видимым.

Как превратить свою идею в реальное произведение искусства? Идея сама по себе даёт мощный импульс, вдохновение или просто желание что-то сделать. Но чтобы идея стала реальностью, нужно приложить немалые усилия. Под натиском повседневной суеты, сопротивления может быстро угаснуть и вдохновение. У любого проекта есть начало, середина и конец. В начале появляется желание что-то создать, воплотить замысел. Середина - это когда художник приступает к работе и начинает решать задачи. Это может быть серия тестов, экспериментов, поиск разных вариантов идей. В этот период, чаще всего, наступают сильнейшие сомнения, с которыми нужно справиться. Конец - это когда вы ощущаете, что достигли своей цели, чувствуете уверенность. Результат может быть победой, ничьей или поражением, но любое действие всегда будет уроком и источником нового опыта

Чтобы написать картину, нужен подрамник, холст, степлер, грунт, кисти, мастихины и краска. Когда художник подходит к чистому холсту и приступает к созданию картины, идея начинает приобретать форму. Художник видит потенциал в каждом новом мазке и, благодаря краске, вырисовывается целый мир. Работа над картиной становится процессом, борьбой с краской, сомнениями внутри и попыткой услышать голос своей интуиции. Внезапно художник начинает видеть в материале не то, что было прежде, открывая новые для себя цвета, вдыхая жизнь в каждый нанесённый мазок. Густота краски, тоже сильно влияет на результат. В процессе картина может меняться и открываться несколько раз, пока художник не остановится. Художник ищет нужный момент, чтобы остановиться и понять, когда у картины появилась душа. При работе над картиной не всегда можно всё предусмотреть и держать под контролем. Иногда изображение начинает диктовать свои правила и преобразовываться во что-то другое, обновлённое. Происходит алхимия, мистический поиск познания материала, когда появляется мощь и сила в картине. Конечный результат получается не таким, как задумывалось, он может превзойти ожидания. Так на холсте рождается сущность произведения, и картина начинает жить своей жизнью. Люди, пришедшие на выставку и вглядывающиеся в картину, найдут для себя свою трактовку произведения, и картина начнёт жить, впитывая в себя новые смыслы людей, пришедших на выставку. Получается, что творческий процесс продолжается и после того, как картина закончена, со временем она обретает новые смыслы с каждым новым взглядом раскрывается по-новому

Искусство может быть воплощением красоты и эстетики, а также мощным инструментом для преобразования человека. Погружаясь в искусство, мы начинаем видеть мир по-новому, менять своё восприятие. Для художников, коллекционеров и обычных зрителей искусство может стать импульсом для личного роста. При помощи искусства можно преобразовывать пространство вокруг, создавать уникальную среду, наполненную смыслом. Художник, воплощая свои произведения, постоянно трансформируется сам. С каждой новой картиной он глубже погружается в то, что у него лучше всего получается, ищет новые идеи, преодолевает инерцию и апатию. Искусство позволяет нам войти в контакт со своим подсознанием. Оно помогает раскрыть свои чувства и мысли, которые мы часто не замечаем в повседневной жизни. Художники воплощают в своих работах то, что их цепляет, свои переживания, идеи, мечты. Создавать сложные и глубокие работы нелегко, это требует усилий и терпения. Но, именно, преодоление сложностей ведет к росту. Через своё искусство мы меняемся к лучшему.
Озарение, которое приходит при посещении выставки и созерцании произведений искусства может сформировать новые взгляды на жизнь. Настоящее искусство способно менять нашу жизнь, расширять кругозор. С его помощью мы можем узнать и другие точки зрения. Оно бросает вызов нашим представлениям и ценностям. После похода в театр, просмотра фильма или прочтения книги человек может измениться, так как его взгляды и восприятие расширятся. Искусство может быть мощным инструментом преобразования жизни. Каждый из нас имеет возможность погрузиться в искусство, открыть новые горизонты и стать лучше.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Сегодня я хочу поделиться с вами своим особенным опытом и размышлениями о том, как создавать визуальные медитации. Когда я пишу картину, она помогает мне лучше понять свои чувства и эмоции. При подготовке к картине я стараюсь слушать себя и свой внутренний голос, погрузиться в созерцание цвета и варьировать линии. Какого цвета могут быть те или иные чувства? Работа над картиной погружает художника в умиротворенное состояние, каждый мазок может успокаивать. Когда вы начинаете доверять своей интуиции и своим чувствам, выражая через мазки радость, грусть, злость, обиду, работа над картиной становится исследованием своих эмоций. Я даю возможность этим чувствам выйти наружу, так можно понять свои внутренние состояния и переживания. Палитра оттенков - это изучение настроения: яркие, насыщенные, красные, оранжевые такие цвета часто асоциируются с активностью или мягкие пастельные, они могут означать спокойствие и нежность. Когда мы пишем картину, мы можем абсолютно безопасно проживать любые эмоции. Когда мы погружены в работу, в процесс создания картины, мы чувствуем каждое движение кисти. Когда мы сосредотачиваемся на движениях кисти или мастихина, можем обнаружить, что наше восприятие меняется, время растягивается. Это похоже на некий транс, когда остаёмся только мы, наедине со своей работой. Именно так холст, кисть и краска могут стать способом восстановления после тяжёлого дня. Даже те чувства, которые мы считаем неприятными, тоже нужны, потому что они - часть нас. Творчество может быть способом исцеления, медитативным, гипнотическим и иметь такое же воздействие на зрителя. Получаются картины, которые могут погрузить человека в размышления, медитативное переживание. Так я учусь не избегать чувств, а выражать и исследовать их. Перед началом работы сделайте глубокий вдох, отпустите всё напряжение, оставьте беспокойство и доверьтесь процессу. Ваша картина - это ваша энергия. Творчество может стать духовным путешествием. Приглашаю вас, тоже попробовать.

Привожу в пример художников, которые использовали подобную концепцию:

Марк Ротко создавал картины для глубокого эмоционального переживания. Его картины вызывает состояние погружения и способствует медитации.

Герхард Рихтер. Его картины - это погружение в чистое восприятие цвета. Также он использует размытие краски для создания плавных переходов и мягких форм.

Василий Кандинский считал живопись способом выражения своего духовного мира.

Дни перед переездом были наполнены ожиданием нового дома и мастерской. Когда я переезжала в свою первую мастерскую, мне было 18 лет, она находилась за городом, в семнадцатиэтажном доме, мастерская располагалась у меня в квартире. В одной комнате я писала картины, в другой комнате - сушила их на полках . Квартира находилась на шестнадцатом этаже и за окнами был изумительный вид на реку Десну и на живописный лес. Ради этого вида я и решила приобрести эту квартиру. Лес из окна казался бесконечным, В далеке, когда не было тумана можно было увидеть Останкинскую башню. Для меня это было абсолютно новое пространство, новый город, под который мне пришлось подстраиваться. Я въехала в квартиру без ремонта с серыми бетонными стенами. Ремонт отнимал много сил и отвлекал от творчества, а мне очень хотелось продолжать творить и создавать картины. Мне помогали делать ремонт, но основное я сделала сама своими руками: красила стены, потолки, шпаклевала и очень от этого уставала. У ремонта были свои плюсы, например полная свобода самовыражения. Я могла покрасить стены белой водоэмульсионкой, а потом снова заштукатурить всё ротбантом, сделав стену из серого бетона. Я хотела создать акцент на грубых материалах в индустриальном стиле: так, было намного интереснее. Также меня очень вдохновляла атмосфера фильма "Зеркало" Тарковского и у меня возникло желание привнести что-то из него в свой дом. В фильме есть кадр, где Маргарита Терехова стоит на фоне золотой стены. Одну из стен в своей комнате я покрасила в золотой цвет, как в кадре из фильма. Золотая стена стала прекрасным элементом декора моей квартиры. Первое время мне было очень трудно привыкнуть к ремонту и отсутствию денег. В этой квартире я пребывала в одиночестве и молчании, размышляла, медитировала, представляла свою будущую выставку и новые картины. Мне хотелось создать такие картины, которые могли бы поразить даже меня: большие, мощные, сильные, впечатляющие. Два года шёл ремонт, а мои идеи оставались незаконченными, у меня никак не получалось приступить к новой серии картин. Во мне накопилось чувство неудовлетворенности и, даже, разочарования и в какой-то момент пришло осознание того, что пора взять себя в руки и перестать откладывать свои мечты. Тогда начался мой творческий путь, как художника, уже в новой мастерской. Мне помогли заказать подрамники у художников, которые и сейчас их делают на Бауманской в размере 100 см на 120 см, холст из льяной ткани. Я грунтовала и натягивала холст на подрамник, экспериментировала с красками и идеями. Во время ремонта я вынашивала свой новый проект. Мне пришлось собрать все свои силы и сфокусироваться на идее "Иррациональные портреты" великих людей. К этой серии я сделала множество набросков и выкрасов, мне хотелось написать многослойные впечатляющие портреты, женские и мужские, со своим внутренним миром будто из другой, параллельной реальности. Тогда я только начинала преодолевать свой тупик, связанный с ремонтом. Именно когда шёл ремонт я уже всем начала говорить, что хочу персональную выставку своих работ. У меня была внутренняя уверенность, что выставка обязательно состоится и было сильное желание писать картины. Я хорошо запомнила тот день, когда у меня начало получаться. Это была зима сугробы по колено, я вышла на утреннюю прогулку к реке Десне с фотоаппаратом. Снег блестел, было очень холодно и светило солнце, небо было синим. В этот день я пришла домой и написала картину "Бетховен". Эта картина стала отражением моего внутреннего отношения к музыке, к великому композитору. Я стремилась передать мощный дух композитора. Эта картина - моя первая большая работа в моём творчестве, и она занимает особое место в моём сердце.
Затем постепенно за полтора года создала серию портретов, которая была представлена на моей первой персональной выставке "Жар творчества".
Были и приятные моменты, например я любила устраивать итальянские вечера с фильмами Фредерика Феллини или других режиссёров, с помидорами черри и моцареллой. Я зажигала свечи, пила чай, иногда, смотрела, понравившиеся фильмы по два раза, наслаждалась свободой.
В мою квартиру приезжали разные люди смотреть картины, говорить об искусстве. Там побывали фотографы, архитекторы, стилисты интерьера, галеристы, поэты и режиссёр, который, даже, хотел снять фильм о трёх творческих девушках, одна из которых разрабатывала образы в стиле двадцатых годов и писала сценарии, вторая - поэтесса, а третья художница. Люди приезжали не просто в гости, а именно в выставочное пространство, очень много творческих людей было в этой квартире.
Выходя из дома на разведку, я старалась искать новые кафешки магазинчики, стройматериалы, покупала посуду уютные фарфоровые чашки. Одевалась я тогда в своём стиле, мне нравилось копировать персонажей из фильмов, например из "Воображариум доктора Парнаса " или "Алиса в стране чудес". Это был свободный яркий стиль: полосатая юбка, жёлтая жилетка, кулон с часами, кольца с цветными камнями - так выражалась моя любовь к необычным вещам.
Когда наступало лето я выезжала на пленэр писать иван-чай, золотую розгу, дикие полевые цветы. У меня было желание погрузиться в одиночество, в свой мир и в нём я достигала гармонии. Темы, которые зародились в тот период я продолжаю использовать и сейчас в своём творчестве. В то время мне нравилось фотографировать. Я гуляла по полям по детским заброшенным лагерям и санаториям, делала там фотосессии, вела дневник, в котором записывала события, происходившие со мной за день, вела архив своей деятельности. Постепенно получилось создать пространство сочетающее в себе дом мастерскую и галерею это было место, где каждый уголок был наполнен творческой энергией и атмосферой искусства.

Утром, когда я приезжаю в свою мастерскую, открываю дверь и чувствую запах льняного масла, вижу, как прислонившись к стене, стоят большие картины и приготовленный холст для работы. На стене есть выделенное место, где скотчем наклеены заметки к моим будущим работам. Перед написанием картины я могу сказать вслух: «Сегодня я смогу написать прекрасную картину». Мне важно не повторить точь-в-точь предмет, который я хочу написать, а именно позволить краске самой зазвучать на холсте, проявить себя без давления, чтобы она ложилась легко, а не вымученно. Внутренний критик может шептать: «У тебя не получится, ты напрасно тратишь время на эксперименты». Я же пытаюсь изменить эту фразу и повторяю себе: «Я могу написать картину лучше», и эта фраза может прозвучать как инструкция к действию - разрешение быть несовершенной, позволить себе ошибаться и продолжать работу над картиной. Когда я работаю с краской, она не должна для меня становиться врагом, а скорее проводником и даже вдохновлять меня. Настоящая работа над картиной - это постоянный выбор, который художник совершает каждую минуту: художник выбирает сюжет, цвет, размер холста. Иногда мазки на картине могут быть слишком яркие или слишком тёмные; цвет не должен приносить ощущение неудачи. А вы должны чувствовать движение вперёд, что у вас всё получается, ваш опыт работы как-будто сам помогает вам писать картины. И в какой-то момент картина начинает получаться лучше, чем была задумана. Это не просто картина, а попытка художника понять, как цвет или выбранная тема может говорить без слов с человеком, который на выставке будет смотреть на неё. Картина - это про доверие художника к себе, к своему выбору, к своим способностям. Можно ответить внутреннему критику: «Спасибо за замечания, я учту их, но мой путь - это мой путь». Когда к вечеру я собираюсь выходить из мастерской, ехать домой, ко мне в голову приходит ещё одна мысль: важно научиться слушать себя. Если позволить себе идти этим путём - писать каждый день, работать, делать то, что нравится, создавать работу за работой, то рано или поздно в моих картинах появится голос времени, в котором я живу. Как запомнят нас, художников XXI века? Закрываю дверь на ключ, снова произношу фразу: «Я могу написать прекрасную картину». Я знаю, что эта фраза не исчезнет, пока я не перестану верить в неё!

Задайте себе вопрос: имеет ли значение в каком году, в какое время года, в какой среде написана ваша картина и какие события тогда происходили? Картина, написанная в конкретном году, выражает именно тот год - отрезок пути художника, к которому пришла идея и который её воплотил. Для проведения новой выставки вам нужно достать картины из среды, в которой они рождались, где прибывали длительное время и передать их зрителю в новом контексте. Чаще всего художники выставляют свои картины в галереях, где белые покрашенные стены, а вы не думали, что можно поместить вашу картину в более интересную среду, хотя бы на фото поэкспериментировать, вытащить картину из привычного контекста и поместить в новое пространство, которое будет отличаться от привычного? Даже если картину повесить в другую комнату, она может начать проявлять себя по-другому. По-новому она проявляет себя и на разных площадках. В картине рождаются и перерабатываются смыслы в процессе контакта с пространством и людьми. Когда коллекционер покупает вашу работу, он вырывает её из контекста, в котором она создавалась и в котором пребывала, если она была частью серии, над которой работал художник. Коллекционер выбирает вашу работу и помещает её в новый контекст, руководствуясь тем или иным принципом коллекционирования. Коллекционер может собирать космизм, сюрреализм, женское искусство или другое направление, объединенное единым замыслом. В этом смысле каждая новая среда для вашего искусства – это новая интерпретация.

Вы можете использовать, как инструмент, фиксацию на своих картинах — описание процесса написания, то, что мотивировало вас на создание картин и документирование готовых работ. При помощи социальных сетей и сайтов по продаже картин вы можете размещать картины, словно слои (пласты) памяти, описывая их по сериям, годам, идеям, рассказывая о материалах, с которыми работаете, ваш колорит и т. д. Основные способы фиксации — это фотографии, подробное описание ваших работ, чертежи, схемы развески и видеоматериалы. Без вашего активного участия никто не сможет возобновить изначальную идею: многое о том, что связано с картиной останется неизвестным и со временем утратится. Если вы создаете работы, пишите картины, серии картин, участвуете в выставках, активно ведёте социальные сети, архивы, то можно сделать деконструкцию вашей старой идеи, которая была задокументирована и создать уже абсолютно новый проект.
Когда вы подробно описываете своё произведение, вы наделяете его новым смыслом, эта информация хранится на сайтах, в каталогах, архивах и становится доступной для пользователей. Картина с историей может вызвать неподдельный интерес у коллекционера, он будет обладать и описанием картины, которое вызывает ассоциации, раскрывает тему и контекст. Таким образом он может купить не одну, а несколько работ, связанных единой темой, которая ему понятна и откликается.
Тот мир, который вас окружает сейчас, является вашим контекстом того, что вокруг вас: какие книги вы читали, какие выставки вы посещали, какие разговоры вели, которые формировали ваш взгляд автора.
Когда вы участвуете в выставке, то создаете новую историю своих произведений. Вы увеличиваете значимость каждой картины, смотря на нее под новым углом, в разных локациях, наделяя ее новыми смыслами. Происхождение вашей картины очень важно: где картина была написана, в каком году, из чего создана, где она выставлялась и т.д.
Время, в котором вы живёте — это поле для экспериментов. Вы никогда не думали: как вас запомнят, художников XXI века? Именно через реконструкцию вашего пути - описание процессов, ответственность за архив, активность в публикациях, участие в выставках вы строите свой образ художника, который будет существовать вне времени. Наши идеи, эксперименты и выставки очень важны, поэтому мы должны заниматься реконструкцией того, что мы делали, описывать свой путь, чтобы было, как можно больше, информации о нас, как о художниках, думающих и творящих. Я «собираю пазл» своих выставок, вспоминаю яркие моменты, которые на них происходили, реконструирую события и размещаю статьи в социальных сетях. Интернет может быть инструментом для погружения в наше собственное творчество и для погружения в чужие художественные практики, для обмена опытом и взаимного обогащения. Как ещё можно использовать ваш архив? Архив — это то, что сохранится, то, что будет рассказывать о вас, как о художнике, обеспечивая связь между прошлым, настоящим и будущим. Чем больше информации о вас и о картинах, тем легче реконструировать память и передать ее новым поколением. Коллекции ваших картин, образов и серий нужно сохранять максимально полно, чтобы запомнились. Те картины, которые выдержат испытание временем, будут храниться в архивах. Они сохранятся только благодаря вашей личной инициативе и активности. Размещение на сайтах — это способ показать картину, описать её структуру и как она создавалась, реконструировать вашу память. Не теряйте важных смыслов картины, их можно легко потерять, и тогда ваши работы могут смешаться в единое полотно, без разделения по сериям. Когда мы, художники, описываем события нашей жизни, мы заново реконструируем память. И многие люди смогут узнать о ваших картинах, несмотря на географическую удалённость. Я думаю, если взять мою старую тему, например пейзаж и коллективное бессознательное, и деконструировать её, создать заново, увеличить в размерах, добавить новые способы самовыражения — эта выставка будет уже совсем другой и будет отвечать запросам времени, в котором мы живём. В этом и состоит одна из главных целей современного художника: не только создавать картины, но и помнить, хранить, делиться и постоянно переосмысливать свое творчество в контексте меняющегося времени.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

В конце лета я участвовала в коллективной выставке «Арт-ярмарка 6.0.» галереи А3 на Арбате, как художница. В августе я получила письмо, в котором Галерея А3 приглашала меня присоединиться к Арт-ярмарке 6.0. Я была безмерно рада, мне всегда нравилась их грамотная экспозиция, как они умеют подбирать произведения искусства и создавать особую атмосферу выставки. И вот моя картина "Невинность и совершенство " станет частью выставки в этой галерее! В тёплый летний день, 14 августа, мне нужно было привезти свою работу на такси. Картина не помещается в эконом класс, поэтому я везу свою картину на комфорт плюс. Мы ехали по центру Москвы, и я любовалась видами города: формой зданий, балконами, уличной жизнью и потоками людей. Галерея находится в историческом месте с привлекательными локациями, в этом доме жил знаменитый актер Василий Лановой.
Оформление документов оказалось простым. Нужно было заполнить договор в двух экземплярах: один остаётся в галерее, другой у художника. Мою картину увидела вживую художница среди других работ, расставленных на полу, и сказала, что сразу узнала мою работу по потрясающему цвету и движению мазков и то, что картина, действительно, мощная и нестандартная. Мне было очень приятно это слышать.
На открытие выставки я пришла вместе с фотографом, у которого была задача: снять людей на фоне картины для фотоотчёта. Благодаря этому у меня получилось поговорить с большим количеством гостей, они замечали оживление и активность вокруг картины подходили ко мне знакомиться и задавали вопросы об искусстве. Арт-ярмарка существует 4 года и зарекомендовала себя как место для живого общения между художниками и ценителями искусства. Когда мы только пришли, то не знали на какой стене висит картина и мы искали её по всей галерее, в которой два входа с улицы, и когда мы ее нашли, мне очень понравилось, что картина занимала центральное место на отдельной стене.
В одной из комнат галереи шла очень интересная выставка «Арбат в лицах» о людях, которые жили на Арбате. Выставка погружает в историю района, где каждый дом связан с именами великих художников, поэтов, музыкантов, актеров. Это помогает понять, почему Арбат остается символом русской культуры. И когда мы прошли все комнаты, как по лабиринту, я увидела, что рядом с моей картиной стоят три женщины и читают описание. Я подошла к ним, представилась и рассказала, что на картине выражены мои впечатления, воспоминания и ощущения от природы. В этот момент ко мне подошёл скульптор и произнес: «Вот это да! Какой у тебя пастозный, оригинальный, многослойный стиль!". Один из посетителей услышал, что я училась у Женевьевы Канто, ученицы самого Сальвадора Дали, и мы начали беседу о снах и сюрреализме. Сюрреализм всегда пытался выразить свои подсознательные мысли. Подсознание — это неисчерпаемый сундук сокровищ. Есть художники, которые это знают и готовы выйти за пределы логики, рациональности, правильности в своём творчестве, выйти за пределы скучной, повседневной реальности. Недавно, я изучала художника, который мне очень нравится, его зовут Джордж Кондо. У него есть видео, как он пишет картину, используя автоматическое письмо. У него так интересно получается: образы как будто сами рождаются у нас на глазах, абсолютно не по шаблону, а спонтанно. Также сюрреалисты изучали внутренний мир, он включает в себя эмоциональное, духовное, наши страхи и воспоминания. Наш внутренний мир формируется под воздействием семьи, города, в котором мы родились, и культуры. Для художников внутренний мир является источником мотивации заниматься творчеством. Почему в наше время так много художников? Да потому что люди уже рождаются с этим желанием создавать.
Один из посетителей начал размышлять о двусмысленности восприятия картин, как смотреть на картину вблизи или издалека? Он был уверен в том, что картину нужно смотреть издалека, оценивая общую композицию. Я же ответила, что вблизи вы наблюдаете технику исполнения, фактуру, мазки, слои краски, детали и мастерство художника, что нужно найти точку входа, и понять, что картина значит именно для вас.
Заранее, к выставке, я подбирала себе образ, который бы подчеркнул мою работу. Я готовилась к фотосессии и выбрала винтажные бусы. Их, часто замечали, и кто-то даже отметил, что я в них выгляжу как кинозвезда. Когда я их покупала, то подумала, что, возможно, это был реквизит для кино или театра.
За десять минут до кураторской приветственной речи к нам подошла девушка с фотоаппаратом и сказала, что можно будет художнику произнести свою вступительную речь. Почему-то в этот момент фотограф неожиданно отказался идти снимать, как художники произносят своё вступительное обращение. Возможно, всё его оборудование стояло рядом с картиной и ему нужно было отойти от него и подняться на этаж выше. Он не хотел, чтобы с оборудованием кто-то оставался, либо ему камеру нужно было долго настраивать. Причина не ясна, это непредсказуемый момент работы с людьми, когда фотографы работают по своим правилам или устают. Я сделала вывод, что в дальнейшем буду работать только с теми фотографами, которые мне действительно нравятся, которые умеют снимать людей и ясно понимают задачу.
На открытии выступал куратор Галереи А3 Пётр Баранов, за ним я взяла микрофон и произнесла своё короткое вступление. Я поблагодарила за возможность вдохновляться искусством и расти над собой. Этот вечер стал для меня уроком о важности живого диалога с аудиторией. С этой ярмарки я забрала незабываемые впечатления, новые знакомства и понимание того, как развивать свои проекты дальше. Я готова к новым открытиям и дальнейшему сотрудничеству с теми людьми, которые разделяют мой подход к искусству. В итоге вечер стал ценным опытом взаимодействия с аудиторией и коллегами. Это было действительно важное событие в культурной жизни моей столицы.
Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

Когда художник сталкивается с вопросом: «Как продавать картины в интернете?», то ответ кроется в том, что нужно раскрыть замысел художника при помощи презентации картины и описания идеи, чтобы у покупателя не оставалось вопросов и возникла мысль о покупке. На сайтах покупатель видит только фотографию картины, поэтому описание должно быть вовлекающим, интересным, ёмким. С помощью описания создайте образ картины. Я, например, описывала, как появляется сила и энергия в моих картинах: «Я наносила слои густых мазков на холст без правил, без ограничений».
Допустим, на вашей картине изображена цветущая вишня - это тема весны, когда природа обновляется и расцветает. Унылая зима ушла и появились нежные лепестки.

Коллекционер может домыслить и придумать свою версию, поэтому оставляйте загадку для его размышления. Когда зритель всматривается и начинает размышлять о картине, он находится в роли творца и дополняет её своими мыслями и образами. Вам нужно сделать так, чтобы у покупателя возникла сильная психологическая связь с картиной, он должен увидеть в картине ассоциацию, связанную с его намерением в будущем или напомнить ему о прошлом.
Как он будет себя чувствовать, смотря на картину? Он испытает подъём энергии, может быть опасность и ощущение как он справляется с этой опасностью.
Если покупатель испытал чувство ностальгии, то он не захочет с картиной расставаться и совершит покупку.
Мне особенно запомнилась одна картина, которую у меня купили в интернете. Это был "Декабрист". У покупателя возникло чувство ностальгии, связанное с этим цветком, который цветёт в декабре.

Если вы хотите раскрыть тему ностальгии, то изложите ваши воспоминания в описании к картине – ваши незабываемые путешествия или опишите букет полевых цветов, который подарил возлюбленный. Лес может вызывать эмоцию предвкушения неизвестности, может символизировать всеобщее бессознательное, вырубку леса, проблемы с экологией. Природа - вечнозелёная тема со множеством смыслов. Какие эмоции ваша картина вызывает у вас? Какие эмоции она может вызвать у зрителя? Опишите на бумаге всё, что вам пришло в голову, ваш поток сознания. Можете рассказать историю, как вы создавали картину, работали над определенной темой, может быть эта тема волновала вас уже несколько лет. Затем вычеркните всё, что не подходит, оставьте самое важное, эмоциональное, цепляющее. Подключите своё воображение и представьте, как бы вы рассказывали покупателю о своей картине. Как выглядит картина? Что на ней изображено?

Подумайте, какие чувства вызывает у вас ваша картина, успокаивает, исцеляет или пугает. Картина может вызывать различные чувства, сильное желание, удивление. Почему вам хочется смотреть на картину и разглядывать её? Какие образы изображены у вас на картине? Может быть это многоуровневая картина, в ней можно увидеть, солнце, вибрации, движение, женское и мужское, тёмное и светлое, не один смысл, а сразу несколько. Они могут быть противоположными друг другу, полярными. Заставьте каждое слово в своём описании к картине работать на результат. Пытайтесь писать без внутреннего критика, по интуиции, опишите свой художественный опыт. Художник, который описывает свои картины досконально, действительно пытается передать свои инсайты людям, интересующимся искусством. При помощи слов вы можете расширить понимание вашего искусства. Ваша цель - сделать человека фанатом вашего творчества, влюбить его в ваши картины, чтобы человек купил не одну картину, а продолжал интересоваться вашим творчеством и, периодически покупал ваши картины. Покупатель должен восхищаться и, действительно любить картины, которые купил у вас, у него должны быть стойкие позитивные ассоциации с покупкой картины.

Спасибо, что прочитали статью, подписывайтесь, ставьте лайк, пишите комментарии.

1 Связь человека и природы
На картинах мы видим женский образ, девушку, которая испытала резкий испуг и ее сковывает страх. Травы и деревья переплетены с её нервами и мышцами, создавая ощущение, что природа и человек — единое целое. Девушке нужно сделать шаг навстречу своему страху, войти в него, пройти через него, чтобы выйти из своего ступора. Только тогда страх сможет исчезнуть, уступив место свободе и внутренней гармонии.

2 Внутреннее содержание
Художница исследует на своих картинах тему пересечения внешнего и внутреннего, того, что за гранью привычной формы. Необычные ракурсы и искажённые формы создают акцент на внутренней сути человека. В работах достигается глубина с помощью фактуры и наслоения мазков. Цветовая палитра варьируется от насыщенных ярких до приглушённых тонов.
Основной смысл произведений в том, что настоящая личность человека гораздо сложнее и многограннее, чем его внешность. Художница стремится показать, что за внешностью скрываются эмоции, мысли, тайны, переживания человека, которые остаются невидимыми для окружающих. Пересечение внутреннего и внешнего символизирует границу между тем, что мы показываем миру и тем, что скрываем внутри.

3 Параллельные реальности
Художница Екатерина Лебедева задумывается о существовании параллельных реальностей, каждая из которых может быть уникальной и неповторимой. В других реальностях всё может выглядеть иначе: цвета могут быть ярче, небо зелёное, деревья розовые, формы необычные. Окружающий мир, в параллельных реальностях может удивлять своей необычностью и разнообразием. Параллельные реальности - это гипотетические миры, существующие одновременно с нашим, но, при этом они чем-то могут отличаться. Согласно квантовой механике каждое событие происходит в отдельной ветке реальности, например если вы выбираете между двумя вариантами, в одной из реальностей вы уже делаете этот выбор, а в другой - второй. Все эти варианты происходят одновременно, создавая бесконечное множество миров. Наш мир - это результат наших выборов, решений и поступков. Художница Лебедева представляет путешествие в эти альтернативные миры и открывает перед собой новые горизонты, что позволяет ей увидеть границы собственного восприятия.

4 Абстрактные пейзажи
При написании пейзажа художница Екатерина Лебедева стремится соединить реальность с миром подсознания. Пейзажи создаются без предварительных набросков, с натуры, что придаёт таким картинам особую спонтанность и живость, расширяет традиционное понимание пейзажа. Екатерина Лебедева превращает его в символ бессознательного, в особое пространство, где скрытые чувства и неосознанные образы находят своё отражение. В работах Екатерины Лебедевой лес выступает не просто как природный элемент, а как метафора внутреннего мира, таинство скрытого и его многогранность, место где находятся неизведанные аспекты нашей личности. Художница стремится, чтобы зритель мог не только наблюдать, но и погрузиться в атмосферу картины, наполненную внутренней энергией. Художница создаёт не просто пейзажи, а визуальные медитации, в которых мазок, штрих, линия, цвет могут служить ключами к пониманию своего внутреннего мира. Её картины - это диалог между внешним и внутренним, между реальностью и подсознанием, приглашение к размышлению о том, что скрыто за видимым и о том, как природа может стать отражением наших самых сокровенных переживаний.

5 Симбиозы и гибриды
В творчестве Екатерины Лебедевой одна из тем - это соединение разных существ в одном. При помощи своей фантазии художница исследует границы возможного и воображаемого. На полотнах рождаются удивительные существа, где два или даже три организма сливаются в единую целостность, создавая новые формы. Представьте себе лошадь с крыльями и клювом попугая или человека с кошачьими глазами способного видеть в темноте. Художница словно приглашает нас задуматься о том насколько возможна трансформация и какие при ней могут появиться новые качества. Екатерина Лебедева словно создаёт новые цивилизации, где границы между видами стираются. В воображении художницы рождаются существа, которые могут летать, сверхбыстро бегать, видеть в темноте. В её искусстве гибриды становятся проявлением идеи о том, что развитие и эволюция возможны через объединение и синтез. В картинах Екатерины Лебедевой симбиозы и гибриды не просто фантазии - это символ внутренней силы, которая рождается в результате взаимодействия различных способностей.

6 Анимализм, животные как метафора
Одна из любимых тем в творчестве художницы Екатерины Лебедевой - это писать животных. На своих полотнах она передаёт красоту и характер животных: кошек, собак, птиц, насекомых, волков, лисиц, львов, гепардов.
В древних культурах изображения животных занимали особое место. В древнем Египте, например, животные часто несли религиозный и символический смысл, являясь олицетворением духовных сил. Эти изображения могли быть наполнены мистикой и глубоким смыслом. Для Екатерины Лебедевой объектом вдохновения становятся и те животные, что живут рядом с ней. На картинах изображены домашних животные, за которыми она ухаживала: волнистый попугай, кошки, собаки. Эти животные не только вдохновляют художницу, но и занимают особое место в её сердце. Её картины - это мост между человеком и природой, напоминание о том, как важно ценить и беречь окружающий нас мир.

7 Абстрактные цветы
В работах Екатерины Лебедевой тема цветов занимает особое место. Её путь в искусстве начался, именно с написания цветов. Одна из первых её картин "Розовая фиалка", за которой последовали "Азалия", "Иван-чай", "Золотая розга" и другие яркие, насыщенные цветочные абстракции, способные передать красоту и энергию цветов. Эти произведения стали для Екатерины Лебедевой отправной точкой, моментом, когда она почувствовала себя настоящей художницей. Для передачи настроения и внутреннего мира цветка она использует цвет и фактуру. Художница пишет цветы свободно, с внутренним порывом, не ограничивая себя строгими правилами, а наоборот позволяя себе экспериментировать с формой, цветом и движением мазков. В палитре Екатерина Лебедева использует яркие насыщенные мазки, которые вибрируют, наслаиваясь друг на друга, создавая энергию и живость на картинах. Художница предпочитает, при написании цветов, сосредоточиться на красоте цвета чтобы передать жизнь цветка. В этом заключается особенность творчества Екатерины Лебедевой. Она создаёт не просто картины с цветами, а эмоциональный и духовный опыт, позволяющий зрителю почувствовать энергию и магию живых мазков. Абстрактных цветы Екатерины Лебедевой - это размышление о красоте, о быстротечности жизни, об обновлении и возрождении.

8 Абстрактная фигура человека
Одна из тем художницы Екатерины Лебедевой - это абстрактное изображение фигуры человека. На холстах эти изображения, одновременно, узнаваемы и, в то же время, остаются неузнаваемыми. Художница погружается в себя, в бесконечный океан образов, где мысли и чувства текут свободно и непредсказуемо. Художница Екатерина Лебедева фиксирует свои озарения, сначала на бумаге, потом на холсте. Разум человека склонен к рациональным объяснениям и правилам, подсознание же - это территория метафор. Художница считает, что возможности работы с подсознанием безграничны, там есть личный и коллективный опыт, архетипическая память и предчувствие. Художница разрешает этим образам материализоваться на своих холстах, без внутреннего критика. Каждая абстрактная фигура рождается спонтанно, и поэтому сохраняет живость и уникальность рисунка. Произведения могут работать как зеркала, возвращая зрителей к личным ассоциациям. Художник Екатерина Лебедева считает, что в человеке заложено намного больше, чем кажется, на первый взгляд и искусство способно заглянуть в эти глубины и вывести инсайты на свет.