Пикассо - таланты и поклонники , разбор по косточкам ...

ну очень фотка понравилась...

Это вариант 3 , и кажется , последний , во всяком случае , хочеться надеяться ))
Благодаря советам друзей-коллег видоизменял с первоначального до сегодняшнего варианта , можно сказать , совместный творческий плод ))

Хочу предоставить инфу об прошедших аукционах , смотрим , и даже злимся ))
Ссылка  :
http://www.forbes.ru/forbeslife-photogallery/pokupki/280165-triumf-abstraktsii-10-khitov-londonskikh-auktsionov-sovremenn/photo/1

О чем говорит мне эта картина?
Мы, зрители, глядя на живописное полотно, получаем удовольствие от настроения, колорита, сюжета и отдельных деталей. А что видят эксперты? Если профессиональный взгляд искусствоведа мы еще могли отчасти предугадать (хотя и не всегда), то от психоаналитика ждали неожиданных интерпретаций. И наши ожидания не были обмануты! #СмыслШедевра – новый проект Psychologies, в котором искусствовед Марина Хайкина и психоаналитик Андрей Россохин рассматривают одну картину и рассказывают нам о том, что знают и что чувствуют. Зачем? Чтобы, (не) соглашаясь с ними, мы яснее осознали собственное отношение к картине, сюжету, художнику и к самим себе.

«Голконда» (Menil Collection, Хьюстон, Техас, США) была написана в 1953 году. Голконда – древняя индийская крепость, легендарный центр добычи алмазов и символ богатства: считается, что именно там были найдены знаменитые алмазы Кохинур и Регент. Магритт создал несколько похожих работ на эту тему.

«МЫ ОДИНАКОВЫ И НЕПОВТОРИМЫ»
Марина Хайкина, искусствовед: «Образы, которые сюрреалист Магритт предлагает зрителю, навязчивы и абсурдны, и наше сознание живо реагирует на диссонанс с реальностью: мы замираем и пытаемся разгадать ребус. Именно в этом процессе осмысления и заключается, по мнению Магритта, подлинный смысл картины. И у каждого зрителя этот смысл свой.

Для меня «Голконда» – своеобразное размышление Магритта о месте каждого отдельного человека в обществе ему подобных, о балансе общего и индивидуального. Мы видим множество почти идентичных мужских фигур, последовательно удаляющихся от зрителя. Они одеты в одинаковые плащи и котелки, их позы похожи, что заставляет нас думать о них как о группе, сообществе людей. И расположены они в виде ромбических решеток, которые напоминают нам о кристаллической структуре алмаза (вспомним, что картина названа по имени алмазной столицы Голконды). Мир людей – это своего рода многогранник, наше существование подчинено жестким нормам. Но если приглядеться, каждый человек на картине отличен от другого, индивидуален и по-своему неповторим».

«ФАНТАЗИЯ О ВСЕМОГУЩЕСТВЕ НЕ ОСТАВЛЯЕТ МЕСТА ДЛЯ ЖИЗНИ»
Андрей Россохин, психоаналитик: «Чем больше я погружаюсь в эту картину, тем сильнее меня охватывает тревога и дискомфорт. Я ощущаю удушающую атмосферу мира, в котором нет ничего живого, природного. И действительно, здесь нет ни одного дерева, ни одной травинки. Даже небо изображено как искусственный фон, декорация. Шторы на окнах задернуты. Моя фантазия не может и не хочет пробиться сквозь эти занавеси. Такое чувство, что за ними нет ничего. Бесстрастно парящие в небе фигуры в деловых пальто и котелках, казалось бы, подчеркивают власть мужчин – сильных мира сего. Им доступно все, даже хождение по небу. Я представляю себе, что этих мужчин становится все больше и больше, и наконец они сливаются в один огромный серый объект, заполняющий все пространство картины. В нем стираются не только половые, но и любые индивидуальные различия. Он становится похож на гигантский Фаллос, каменную бабу, образ языческого божества древних народов. Возможно, никто кроме Магритта не передал так точно отравляющую силу фантазии о всемогуществе. Магритт показывает нам, что это всемогущество основано на власти мужчин или на власти денег. Но эмоционально картина передает значительно более глубокое послание: в мире, где царствует фантазия о бесконечной власти, природе и живому человеку места нет.

Однако внезапно я нахожу убежище и в картине Магритта. Я замечаю, что парящие мужчины не занимают все пространство картины. Справа мы видим свободный угол дома. Именно на нем и стоит подпись самого Магритта. Я чувствую, что у мира всемогущества есть свои границы, он не бесконечен. Я не могу заглянуть в окна этого углового дома, но моя фантазия рисует живое пространство, полное чувств, энергии, творчества».

«Лавандовый туман: Номер 1» (Национальная галерея, Вашингтон) – самая известная картина Джексона Поллока. Она написана в 1950 году, когда Поллок довел до совершенства свой «капельный стиль». Суть капельной техники заключалась в том, что художник клал полотно на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда он с силой плескал краски на поверхность, смешивая их друг с другом.

КАЖЕТСЯ, ЧТО ЖИВОПИСЬ ПЛЫВЕТ, МЕНЯЕТСЯ»
Марина Хайкина, искусствовед: «В творчестве Поллока главным стал процесс рождения картины, сам момент творчества. Он-то и есть произведение искусства, а картина – его итог, воспоминание о нем. Первоначально картина имела только номер 1 (в это время Поллок называл свои работы по номерам); название «Лавандовый туман» придумал арт-критик Клемент Гринберг за элегантное и тонкое сочетание тонов, создающее ощущение дымки. Несмотря на то что среди дымчато-серых, черных, красновато-коричневых, серебряных, белых и свинцово-голубых оттенков картины нет ни капли лавандовой краски, художник принял второе название.

Для Поллока, восхищавшегося песочной живописью американских индейцев, творчество было сродни шаманскому ритуалу. Пританцовывая, Поллок двигался с кистью с краской по поверхности холста в своем собственном ритме. Жесты и движения кисти подхватывали ритм. Он и заложен в картине, в случайном на первый взгляд чередовании каплей, пятен и линий, его считывает зритель, в нем кроется настроение и динамика работы. Кажется, что живопись плывет, меняется, живет. И, как древний пещерный художник, Поллок «подписал» Лавандовый туман» отпечатками своих рук».

Фотоконкурс ВКонтакте и Instagram #HappyPsychologies
Как правильно переживать за других?
Все великое создано нервными людьми
Главная / Интервью / Разговор с экспертом
Интервью
ЛИЦО С ОБЛОЖКИ РАЗГОВОР С ЭКСПЕРТОМ ФРАЗА МОЯ ИСТОРИЯ
досье
06 МАРТА 2015 12:00
О чем говорит мне эта картина? «Лавандовый туман» Джексона Поллока
ВСЕ СТАТЬИ ЭТОГО ДОСЬЕ
Искусствовед Марина Хайкина и психоаналитик Андрей Россохин рассматривают одну картину и рассказывают нам о том, что знают и что чувствуют. Зачем? Чтобы, (не) соглашаясь с ними, мы яснее осознали собственное отношение к картине, сюжету, художнику и к самим себе.
Алла Ануфриева

«Лавандовый туман: Номер 1» (Национальная галерея, Вашингтон) – самая известная картина Джексона Поллока. Она написана в 1950 году, когда Поллок довел до совершенства свой «капельный стиль». Суть капельной техники заключалась в том, что художник клал полотно на пол и покрывал его каплями краски, беспорядочно стекающей с кисти, из жестяной банки или продырявленного ведра. Иногда он с силой плескал краски на поверхность, смешивая их друг с другом.
«КАЖЕТСЯ, ЧТО ЖИВОПИСЬ ПЛЫВЕТ, МЕНЯЕТСЯ»
Марина Хайкина, искусствовед: «В творчестве Поллока главным стал процесс рождения картины, сам момент творчества. Он-то и есть произведение искусства, а картина – его итог, воспоминание о нем. Первоначально картина имела только номер 1 (в это время Поллок называл свои работы по номерам); название «Лавандовый туман» придумал арт-критик Клемент Гринберг за элегантное и тонкое сочетание тонов, создающее ощущение дымки. Несмотря на то что среди дымчато-серых, черных, красновато-коричневых, серебряных, белых и свинцово-голубых оттенков картины нет ни капли лавандовой краски, художник принял второе название.

Для Поллока, восхищавшегося песочной живописью американских индейцев, творчество было сродни шаманскому ритуалу. Пританцовывая, Поллок двигался с кистью с краской по поверхности холста в своем собственном ритме. Жесты и движения кисти подхватывали ритм. Он и заложен в картине, в случайном на первый взгляд чередовании каплей, пятен и линий, его считывает зритель, в нем кроется настроение и динамика работы. Кажется, что живопись плывет, меняется, живет. И, как древний пещерный художник, Поллок «подписал» Лавандовый туман» отпечатками своих рук».

«В КАЖДОМ ИЗ НАС ЖИВЕТ ЯЗЫЧЕСКОЕ «Я»
Андрей Россохин, психоаналитик: «Лавандовый туман» напоминает мне древние наскальные рисунки. Я представляю себе, что я нахожусь в пещере, в центре которой разведен огонь, и красноватые блики гуляют по ее стенам, покрытым рисунками. Я погружаюсь в картину, и она начинает оживать. Дым от костра в пещере подобен туману. Туман – это то, что изменяет или отменяет реальность, то, что создает пространство для образов и фантазий, для любых проекций нашего бессознательного. У картины Поллока нет реалистического уровня – художник принципиально отказывался рисовать какую-либо реальность, он входил в измененное состояние сознания, подобное шаманскому.

Считается, что шаманы говорят с духами природы, духами животных. Я вижу эту связь немного иначе: шаманы (как и все древние люди) проецировали свои страхи, желания, ожидания на силы природы и потом с этими персонифицированными силами природы устанавливали диалог (например, просили духа горы помочь в охоте, читали заклинания, приносили жертвы). То есть, по сути, шаманские камлания – это внутренние диалоги с какими-то частями самого себя (со своим внутренним отцом или своей Тенью). По сути, этим же, с моей точки зрения, занимался и Поллок. Через картины он пытался вести диалог с архаическим содержанием своего бессознательного. Он рисовал что-то, как он говорил, приходящее «изнутри себя».

Картина пробуждает живущее в нас языческое «Я», которое связано с природой и взаимодействует с ней. Она открывает дверь в архаические слои нашей психики, но не пугает, а, напротив, пробуждает любопытство. Мы вглядываемся в туман, но мы еще не в нем. Однако эта дверь открыта, и, погружаясь в картину Поллока, мы можем войти в туманную пещеру нашего бессознательного.

Это я привел пример , как и почему именно так комментируют те или иные люди . Хотелось бы на этих конкретных примерах узнать мнение купечества нашего , что там правда и что внушаемое заблуждения )) .

"Покупатели, которые платят миллионы за мои картины, глупы.."? Ну да, читали. Теперь можно и пописать сверху. Представляю себе начинающего гения: Эй, дураки, налетай.  

Блин! Не вовремя засадили сахалинского губернатора. Не он там у себя через 200 килограмм денег дома перепрыгивал? Остается надеяться, что не всех пересажают. Будут и среди них ценители прекрасного.  

Нет , этой статьи не было , Саша , привет всем !
В любом случае респект Рихтеру , он не лицемерно надувается , в отличие от иных дутых на 99% мудаков . И он с самого начала вызывал уважение во мне , то , что он блестящий рисовальщик ,каких мало , в реализме и гипперреализме , во-вторых именно поиск и сомнения увели его в абстракцию от накатанной дорожки , будучи благополучным и известным между прочим . Он ищет , себя ли , или в выражении самое себя , суть неважно , важно , что он говорит такое не находясь в нашем , скажем мягко , положении , сказали бы , из зависти , как часто нам приписывают , а он абсолютно зарабатывает именно те суммы , которые многим сняться , и все равно говорит , что фуфло гонят и ситема лживая и продажная , и что искусства как такового и нет в том , что продают в большинстве . Он сказал то , что мы и так склоняем , но нам же веры нет , ибо не на вершине мы , а вот ему поневоле поверишЬ ))

...хочется добавить несколько слов о Поллоке-
отличная декоративная штукатурка для мопов(коридоры и лестничные клетки)..не пачкается,фактурно и служит долго и уже используется малярами..а работа Магритта -отличный принт для обоев в гостиной-и не навязчиво и креативно...

кристаллы соли увеличенные в 150 раз , если не ошибаюсь )

наш язык , увеличенный опять во много раз , картинка не слабая ))

А это существо бессмертно практически , то , о чем грезит человечество , размер 0,1-1,5 мм , краткие характеристики  :
В состоянии анабиоза тихоходки выносят невероятные нагрузки.

Температура. Выдерживают пребывание в течение 20 мес. в жидком воздухе при −193 °C, восьмичасовое охлаждение жидким гелием до −271 °С; нагрев до 60—65 °С в течение 10 ч и до 100 °С в течение часа.
Ионизирующее излучение в 570 000 рентген убивает примерно 50 % облучаемых тихоходок. Для человека смертельная доза радиации составляет всего 500 рентген.
Атмосфера. Довольно долго могут находиться в атмосфере сероводорода, углекислого газа.
Давление. В эксперименте японских биофизиков «спящих» тихоходок помещали в герметичный пластиковый контейнер и погружали его в заполненную водой камеру высокого давления, постепенно доведя его до 600 МПа (ок. 6000 атмосфер), что почти в 6 раз выше уровня давления в самой низкой точке Марианской впадины. При этом неважно, какой жидкостью был заполнен контейнер: водой или нетоксичным слабым растворителем перфторуглеродом ~\mathrm{C_8F_{18}} — результаты по выживаемости совпадали.
Открытый космос: В эксперименте шведских учёных тихоходок видов Richtersius coronifer и Milnesium tardigradum разделили на три группы. Одна из них по прибытии на орбиту оказалась в условиях вакуума и была подвергнута воздействию космической радиации. Другая группа, кроме этого, также подверглась облучению ультрафиолетом A и B (280—400 нм). Третья группа животных испытала воздействие полного спектра ультрафиолета (116—400 нм). Все тихоходки находились в состоянии анабиоза. После 10 дней, проведённых в открытом космосе, практически все организмы были иссушены, но на борту космического аппарата тихоходки вернулись к нормальному состоянию. Большинство животных, подвергшихся облучению ультрафиолетом с длиной волны 280—400 нм, выжили и оказались способны к воспроизводству. Однако ультрафиолетовое облучение оказало критическое воздействие, лишь 12 % животных третьей группы выжили, все они принадлежали к виду Milnesium tardigradum. Тем не менее, выжившие смогли дать нормальное потомство, хотя их плодовитость оказалась ниже, чем у контрольной группы, находившейся на Земле. Все животные из третьей группы погибли через несколько дней после возвращения на Землю.
Влажность. Известен случай, когда мох, взятый из пустыни спустя приблизительно 120 лет после его иссушения, поместили в воду, и одна из находившихся в нём тихоходок подала признаки жизни[1

недавно прочитала книжку про Врубеля..и про
его демонов..видимо,зацепило..не ко дню
Вербного воскресения,правда...

Армянская Апостольская Церковь (ААЦ) 5 апреля отмечает праздник Пасхи (Светлое Христово Воскресение).Пасха – праздник очищения, отдаления, отказ от грехов и возврат к богу. Как в Старом, так и в Новом завете Пасха считается одним из главных праздников.Воскресение Христа стало основой христианского вероучения.В Пасху люди красят яйца. Яйца считаются символами воскресения, начала новой жизни. Красный цвет символизирует животворительную кровь распятого Иисуса Христа.

Меня тронуло лицо ребенка , настолько сопереживаемое и от него исходящее ..

Комитас звучит в потерянной армянской церкви
00:27, 08 апреля 2015
На видео Нелли Гаспарян поет духовное песнопение Комитаса в церкви святого Креста на острове Ахтамар. Сейчас это Турция. Церковь недавно отреставрировали, но крест запретили ставить на куполе

https://www.youtube.com/watch?v=UAT_ncnhqJQ

Решил напомнить купечеству нашему про цикл передач - Искусственый отбор .
В этом выпуске мне понравилось комментарий Оскара Рабина , из той самой бульдозерной выставки . Его рассуждения про современное состояние дел в искусстве живописи . В очередной раз убеждаюсь , что мои мысли часто перекликаются с мыслями многих адекватных людей , тем более из мира живописи . Так то вот ! )

https://www.youtube.com/watch?v=EzCKBZgdspY

В эти дни слишком много информации встретилось , очень тягостное впечатление , конечно , но помнить надо !

Сегодня просмотрел очередной выпуск Искусственного отбора , в основном про творчество Серова . Понравилось однозначно . Серов действительно , на мой взгляд , пожалуй , лучший из мастеров российских . Запомнился момент в фильме , где речь шла о времени к концу его жизни и об эпизоде , где рассказали о случае . одном из последних , о неком признании самого Серова , раздумьях , перед собственной картиной , одной из ранних - Девушка , освещенная солнцем - которую он назвал так и непревзойденной . Весьма . на мой вгляд , признание символическое . Если купечество сподобится на обсуждение , и данного нюанса тоже , выскажу и свою точку зрения также .
ссылка  :
http://tvkultura.ru/video/show/brand_id/58339/episode_id/1159164

Дега — шутник, поэт, отшельник и искусный рисовальщик
Как развивалось новаторское и уникальное мастерство великого импрессиониста?
Текст ФРЭНСИС ФОУЛ
645
3
1

Дега. Джулия Беллелли. 1858–1859. Набросок маслом
Эдгар Дега был прежде всего рисовальщиком, и, как показывает книга, его долгий путь можно проследить, анализируя лишь рисунки и пастели. В прекрасно иллюстрированном, тщательно разработанном и на удивление доступном труде Кристофер Ллойд прослеживает биографию Дега, останавливаясь на основных этапах развития его графической манеры. Ключевые работы мастера рассмотрены в контексте академических практик, общей истории импрессионизма и постимпрессионизма, а также самой биографии художника.

Ллойд утверждает: мастерство Дега-рисовальщика оставалось краеугольным камнем его творчества на протяжении всей жизни. Подготовительные рисунки, несомненно, играли важную роль в ранние годы, когда Дега в основном писал картины на исторические сюжеты, портреты членов семьи и друзей. Влияние традиции было значительным и тогда, и позднее, когда в 1860-х годах он совершил резкий поворот к темам из современной жизни — как в сохранившихся набросках из блокнотов, так и в созданных для рынка цветных графических листах.

Дега создал множество рисунков по мотивам работ старых мастеров: известно более 600 таких вариаций, к которым он (как и Поль Сезанн) продолжал возвращаться через много лет после учебы. Он никогда не был слепым подражателем: на протяжении всей своей жизни творчески перерабатывал первоисточники, неизменно питавшие его художественное воображение. Ллойд проводит уместную параллель с Антуаном Ватто, который, подобно Дега, имел своего рода фонд рисунков, к которым обращался при создании живописных работ.

Дега известен частыми переменами манеры на поздних этапах жизни. По мнению Ллойда, движущей силой здесь стало стремление к совершенству, непрерывный поиск оригинальности. Художник экспериментировал с различными техниками и материалами.

Живопись эссенцией в 1860-е годы дала ему больше свободы, придала его листам особую эмоциональность и непосредственность.

В 1870-е Дега разрабатывал технику монотипии, используя ее как основу для гуашей. Позднее, в 1880–1890-е годы, он работал с калькой — это позволяло произвольно изменять и развивать композицию. К 1890-м его любимой техникой стала пастель, размывающая границы между живописью и графикой. Поздние обнаженные Дега написаны интенсивно, яркими, даже кислотными, цветами, нанесенными энергичной штриховкой.

Ллойд уделяет внимание техдеталям, понятно объясняя такие инновации, как монотипия, описывая эксперименты Дега с разными фиксирующими средствами для пастели. В книге есть и примеры визуального анализа: как художник изменял угол наклона карандаша, добиваясь особого эффекта, или работал пальцами, размывая и размазывая рисунок в манере, предвосхитившей модернистов.

Из-за того, что сам по себе текст книги сравнительно краток, некоторые частности биографии Дега представлены предельно сжато. Однако при этом Ллойд подробно останавливается на отдельных произведениях (Портрет Эдмона Дюранти (1879) из Коллекции Баррелла и Ожидание (ок. 1882), хранящееся в Музее Гетти) и других ключевых моментах: первых изображениях современной жизни в 1860-е годы, изображениях обнаженных в технике пастели, экспонировавшихся на последней выставке импрессионистов в 1886-м, пейзажах-монотипиях на выставке у Дюран-Рюэля в 1892‑м. В книгу вошла богатая подборка иллюстраций из частных и музейных коллекций: копии старых мастеров, наброски близких, рисунки жокеев и балерин, монотипии с мотивами пейзажей и сцен из публичных домов, пастельные изображения модисток и обнаженных.

Остроту книге придают подробности, рисующие характер Дега: шутник, поднявший воротник из-за того, что в картинах Клода Моне много свежего воздуха, автор сонетов, отшельник-мизантроп в последние годы.

Edgar Degas: Drawings and Pastels. Christopher Lloyd. Thames & Hudson. 320 с. £24,95 (твердая обложка). На английском языке

Не мог не сказать про Бродского , у него дата .
Встретилось вот заметка хорошая . Все-таки он гений однозначно , а гении редкость для тех , кто понимает истинное значение слова этого .
" 75 лет со дня рождения Иосифа Бродского: HELLO! вспоминает историю поэта
23.05.2015 21:19
Он родился и жил в Петербурге, эмигрировал в Америку, похоронен в Венеции. Но остался великим русским поэтом - одним из самых значительных в истории XX века. 24 мая Иосифу Бродскому - поэту, эссеисту, драматургу - исполнилось бы 75 лет.

Иосиф Бродский
Иосиф Бродский

До острова Сан-Микеле, где похоронен Бродский, от набережной Фондаменте Нове рукой подать - пять минут на вапоретто. Рядом с лодочным причалом можно купить цветы - среди роз, бегоний и гиацинтов есть и ромашки, которые здесь, в Венеции, выглядят как-то особенно трогательно, очень по-русски. В голубых водах лагуны восемь лет назад установили памятник, хорошо видный с берега, - Вергилий указывает Данте на остров Сан-Микеле, последнее пристанище Поэта. Лодка причаливает. Еще несколько минут насквозь Города Мертвых, мимо надгробий венецианской знати, мраморных мемориалов, ангелов, столетия склоняющих головы, мимо вечнозеленых пиний. Потом чуть левее - и вот светлая обычная плита, где только имя - по-русски и по-английски - и даты, из которых следует, что земной жизни ушедшему было отпущено неполных 56 лет. Дальше начиналась вечность.

...Когда Иосифу Бродскому было немногим более 20, ему в руки попал журнал Life, где величиной в целый разворот в черные лакированные бока гондол бились волны венецианской лагуны, а за ними вставала колонна, увенчанная львом. Журнал листали вместе с другом, поэтом Женей Рейном, сидя в питерской комнатке Бродского (да и не комнатке даже, а так, закутке, отделенном шкафом от родительской среды обитания). "А знаешь, Женька, я здесь буду", - сказал, смеясь, и ткнул пальцем в картинку. Рейн тоже засмеялся - он-то знал, что этого не будет никогда. Да и как иначе? Ну, если бы был поэт как поэт, вступил бы в Союз писателей, книжки издавал, тогда бы хоть "с дружественным визитом"... Но ни того, ни другого, ни, соответственно, третьего - в виде великолепной Венеции - Бродскому определенно не светило. И не то чтобы он был поэт антисоветский или диссидент - нет, он был хуже, много хуже для власти и идеологии. Он был абсолютно равнодушен к ней, ее шаманствам и заклинаниям, он был вне ее и свободен настолько, что вгонял власть в состояние полного шока и даже обалдения. Нигде не учился, бросив школу после седьмого класса, работал матросом на маяке, истопником в котельной, ездил в геологические экспедиции, искусство постигал в залах Эрмитажа, читал Баратынского и Мандельштама, религиозную литературу, Шекспира и Одена в подлиннике, английский язык он выучил самостоятельно. Этот рыжий еврейский парень совершенно серьезно считал себя русским поэтом - более того, после знакомства с Анной Ахматовой - наследником по прямой.

Иосиф БродскийВласть, которая имела всех - а интеллигенцию прежде всех, - с помощью проверенных кнута и пряника с Бродским вообще переставала чувствовать себя властью. От этого бесилась и, как ревнивая жена, совершала разные несообразные поступки, чем выставляла напоказ свою полную беспомощность. Суд над Бродским в середине 60-х по обвинению в тунеядстве - апогей этого абсурда. А спокойствие и бесстрашие, с которыми он на суде говорил, - не героизм вовсе, а просто внятно изложенная позиция человека, не желающего в этом абсурде участвовать. "Кто признал, что вы поэт? Кто причислил вас к поэтам?" - "Никто. А кто причислил меня к роду человеческому? Я думаю, это... от Бога". За процессом следил весь мир. Запад - шла холодная война - поднял Бродского на свои штандарты, как борца против советского режима, но и Запад ошибся. О чем десятилетие спустя и узнал после вынужденной эмиграции поэта, буквально выброшенного из СССР. Из письма Бродского издателю The New York Times: "...независимо от того, каким образом ты его покидаешь, дом не перестает быть родным. Как бы ты в нем - хорошо или плохо - ни жил. И я совершенно не понимаю, почему от меня ждут, а иные даже требуют, чтобы я мазал его ворота дегтем. Россия - это мой дом, я прожил в нем всю свою жизнь, и всем, что имею за душой, я обязан ей и ее народу. И - главное - ее языку". Вряд ли издатель уважаемой газеты понял суть письма. Бродский числил себя сугубо частным лицом, верил только в индивидуальный, личный выбор, не любил империй по обе стороны Атлантики, не признавал толпу ни в каком виде и ни под каким флагом и служил только одному богу - и этим богом была для него русская словесность. "Я принадлежу к русской культуре, я сознаю себя ее частью, слагаемым, и никакая перемена места на конечный результат повлиять не сможет. Язык - вещь более древняя и более неизбежная, чем государство" - это из письма другому человеку, Брежневу, уже из эмиграции. Ни слова обиды за изгнание - только горечь и ясное понимание происходящего сегодня, предвидение (да что там - знание!) будущего, вот только интонация - немного усталая, какая бывает у человека, вынужденного объяснять очевидное. Но это все потом... А пока суд, над которым то ли плакать, то ли смеяться. Анна Ахматова одна разгадала драматургию жизни и в ответ на причитания общих знакомых ответила просто: "Какую судьбу творят нашему рыжему!"

Иосиф БродскийИ как у другого русского поэта, эта судьба обернулась и ссылкой, и своей Болдинской осенью. На Севере, в деревне Норенская Архангельской области, где Бродский по приговору провел три года, он написал свои лучшие стихи. Ему было 24 года. К нему то приезжала, то уезжала его неверная подруга, создавшая трагический для Бродского любовный треугольник с участием их общего друга, поэта Дмитрия Бобышева. Художница Марина Басманова - самая большая любовь Бродского, измучившая его намного более суда и гонений. "...Суд потом - это была ерунда по сравнению с тем, что случилось с Мариной. Это было настолько менее важно... Все мои душевные силы ушли на то, чтобы справиться с этим несчастьем", - вспоминал он позднее уже в Америке. Но измена любимой, родившей Бродскому во время своих "метаний" сына, стала для него и пожизненным крестом, и главным источником вдохновения - Марина превратилась в музу, в легендарную и загадочную М. Б. Эти инициалы предваряли его любовную лирику вплоть до самой женитьбы на Марии Соццани, его студентке из Сорбонны. Итальянка русского происхождения невероятно напоминала Марину Басманову в юности - тонкую, изысканную, "холодную, как вода" по выражению Ахматовой.

Ни М. Б., по сей день живущая в Петербурге и в одиночку воспитавшая сына Бродского, ни Мария Соццани-Бродская, родившая поэту дочь, не дали ни одного интервью о своих отношениях с ним, сколько бы и кто ни пытался это сделать. Вообще, женщины, которых в жизни Бродского было немало, удивительно целомудренно относятся к его памяти, не существует никаких воспоминаний или комментариев, продиктованных искренним ли чувством или столь понятным женским тщеславием. Ничего, ни слова.

Санкт-Петербург, вид на Петропавловскую крепость
Санкт-Петербург, вид на Петропавловскую крепость

В Ленинград, ставший Петербургом, он не вернулся. В свой город, где похоронены родители, с которыми ему после отъезда больше никогда не пришлось увидеться, где живет сын и женщина всей его жизни. Объяснений этому Бродский не оставил, только заметил однажды: "Нет, на место любви не возвращаются". Рискнем предположить, что он просто боялся встречи с прошлым - сердце было совсем ненадежное, он перенес три инфаркта. "Ни страны, ни погоста не хочу выбирать, на Васильевский остров я приду умирать" - эти строки были написаны им давно, еще в Ленинграде, и он, конечно, помнил, как предупреждала Ахматова - бойтесь своих стихов, поэты, они предсказывают судьбу. Так его Петербургом и стала Венеция - сюда он возвращался каждый год, в не сезон, к дождям, запаху водорослей, морскому воздуху, к неуловимому сходству набережных и дворцов, опрокинутых фасадами в каналы.

Венеция
Венеция, вид на Кампанилу собора Святого Марка

В любви к Венеции он объяснился в эссе "Набережная Неисцелимых". Сегодня набережная гордо носит профиль Бродского на своем красном кирпичном "лацкане" - Венеция, как прекрасная женщина, избалованная любовью лучших и избранных и уже давно пресыщенная, к Бродскому по-особому неравнодушна. И в кафе Florian официанты значительно склоняют голову, если спросить их, за каким столиком сидел поэт или какой кофе он заказывал. Столик здесь и кофе в меню тот же.

И когда приходит вечер, официанты меняют белые утренние кители на фраки, пианист садится к роялю, плывет по площади Святого Марка музыка Вивальди, и картинка становится похожа на черно-белые фильмы Висконти. А совсем рядом о лакированные бока уснувших гондол бьются волны лагуны, в глубине которой, уже невидимый, угадывается Остров Мертвых - Сан-Микеле.

...Я кладу на надгробие ромашки и сигарету. Бродский много курил и со своей слабостью так и не справился, вот и появилась эта странная, наверное, традиция - оставлять рядом с цветами сигареты. Скоро - ромашкам не в обиду - зацветет розовый куст на могиле и ко дню рождения поэта покроется яркими бутонами. Рядом вытянулся к весеннему итальянскому небу кипарис, из которого слышно непрерывное птичье пение. "Дрозд щебечет в шевелюре кипариса..." Вот все и сбылось.

Предлагаю вниманию купечества небольшую статью искусствоведа Смолянской по поводу современного искусства , но не менее любопытны комментарии под ней , почитайте ! ))
http://postnauka.ru/video/26612

Хочу поделиться недавно увиденным фильмом , про художника Попкова . Помнится , он нравился Андрею . Печальный фильм , но сделанный хорошо и без суеты , что мне в нем и понравилось .
http://tvkultura.ru/brand/show/brand_id/59158/

Хотелось бы вспомнить в этой теме о недавнем
случае на выставке скульптур Вадима Сидура,
последователя Пабло в скульптуре,которые покалечил православный зритель Владимир Этнео,
не понял он заложенной в них дегуманизации..
и было решено припрятать эти шедевры в запасниках ГМИИ до лучших времён,а ныне не насиловать созерцанием оных зрителей...Знамение
времени..не хотят..дегуманизации..